Аннотация: Статья посвящается 165-летию со дня рождения М.И. Ожегова (1860–1934), русского поэта-песенника, самоучки, выходца из крестьян Вятской губернии, в песенно-музыкальном наследии которого заметное место занимает популярная песня «Меж крутых бережков». Объектом исследования являются фортепианные вариации на тему этой русской песни, написанные современным российским композитором В.В. Рябовым, а предметом – специфические связи звучащей музыки композитора и «закадровых» слов поэта-песенника. Отмечается, что обращение композитора В.В. Рябова к песенной мелодии М.И. Ожегова не было первым: в первой половине ХХ века выдающиеся русские композиторы И.Ф. Стравинский и Д.Д. Шостакович при создании музыки к театральным постановкам уже обращались к песенным мелодиям М.И. Ожегова («У церкви стояли кареты», «Чудный месяц»). С целью демонстрации взаимодействия мелодии песни М.И. Ожегова «Меж крутых бережков» с вариациями современного композитора В.В. Рябова на тему этой песни использован метод анализа содержательной основы произведения. В статье изложена точка зрения известных отечественных музыковедов на стиль сочинений В.В. Рябова – в частности, его фортепианных произведений. Новизной данного исследования является попытка проникновения в суть замысла созданного современным композитором В.В. Рябовым фортепианного цикла «Двадцать пять русских народных песен», сделанная на примере одного из произведений этого цикла – вариации на тему песни «Меж крутых бережков». В рамках выполнения анализа содержательной основы фортепианных вариаций грани формы и элементы фактуры соотнесены с текстом ожеговской песни и предложена своя «программа» произведения, благодаря чему статья убедительно доказывает, что композитору не только удалось создать виртуозные вариации на тему песни, но также точно передать в музыке сюжет поэтического текста М.И. Ожегова.

Ключевые слова: М.И. Ожегов, В.В. Рябов, песня, Меж крутых бережков, вариации, фортепианная музыка, песенный цикл, содержательная основа, русская песня, программа произведения

Abstract: The article is dedicated to Matvey Ozhegov's 165th birthday. The article is devoted to the popular Russian song Mezh krutyh berezhkov ["Between the steep banks"]. Modern Russian composer Vladimir Ryabov used this music to create variations. It is noted that the author of this song is Matvei Ozhegov, a self-taught songwriter who worked at the turn of the XIX and XX centuries. He was born into a peasant family in Vyatka province. The process of popularization and cultural diffusion of his songs is described. Throughout his life, Matvei Ozhegov composed over a hundred and fifty «songs in the spirit of his native region’s people», as he put it himself, some of which have become an integral part of Russian musical culture. It is marked, Russian composers Igor Stravinsky and Dmitry Shostakovich quoted other song melodies by Matvei Ozhegov. The style of Vladimir Ryabov's compositions is characterized, in particular, his piano works in purpose to demonstrate the interaction of his variations with the melody of Matvei Ozhegov's song. The statements of authoritative experts in this field are given. An overview of his variation cycle "Twenty-five Russian folk Songs", consisting of two opuses, one of which includes the considered variations on the theme of the song Mezh krutyh berezhkov ["Between the steep banks"]. It is claimed that Ryabov doesn’t merely turn to the well-known melody of the song but treats his variations as a coherent musical and poetic work. The analysis of the substantial basis of the above-mentioned variations is carried out, for which the facets of the form and the elements of texture are correlated with the text of the song by Ozhegov. Offering own "program" of the work, the article proves that the composer not only managed to create virtuoso variations on the theme of the song, but also accurately convey the plot of the poetic text of Matvei Ozhegov in music.

Keywords: Russian song, the program of a piece of music, the substantional basis, The song cycle, piano music, variations, Between the steep banks, song, Vladimir Ryabov, Matvei Ozhegov

Аннотация: Предметом исследования является слияние традиционной китайской живописи тушью и цифровых иммерсивных технологий. Объектом исследования выступает опыт пяти чувств в дизайне иммерсивных сцен, основанных на живописи тушью. Автор подробно рассматривает такие аспекты темы, как философские коннотации и эстетический язык классических произведений живописи тушью, уникальные художественные особенности этого вида искусства, включая космологическую концепцию «единства человека и природы», акцент на передаче сущности, а не на реалистичности, а также текучесть времени и пространства в композиции свитков. В работе анализируется эффективность трансляции художественного языка живописи тушью с помощью таких технологий, как VR/AR, голографическая проекция и сенсорные датчики, на примере практических кейсов, в частности, выставочных пространств проекта «Путешествие к реке во сне» цифрового павильона «Цинмин, путешествие к реке 3.0». Особое внимание уделяется парадигме интеграции «синергии пяти чувств» для создания иммерсивных пространств. Методологическую основу исследования составляет междисциплинарный подход. Метод изучения конкретных случаев применяется для разбора практической реализации иммерсивных проектов, в частности, на примере мониторинга пространств проекта «Путешествие к реке во сне» выставочного павильона «Цинмин, путешествие к реке 3.0», что позволяет системно оценить эффективность перевода художественных особенностей живописи в иммерсивную среду. Основными выводами проведенного исследования являются обоснование подхода пятисенсорного иммерсивного восприятия для реконфигурации философско-эстетических принципов традиционной китайской живописи тушью. Особым вкладом автора в исследование темы является усовершенствование данного подхода позволяющего транслировать через цифровые технологии глубинные культурные и философские смыслы, заложенные в традиционной китайской живописи. Научная новизна исследования состоит в усовершенствовании парадигмы «синергии пяти чувств» к дизайну иммерсивных выставочных пространств. В отличие от существующих подходов, которые фокусируются преимущественно на визуальной составляющей, данное исследование предлагает в дальнейшем к применению объединённую модель, которая активирует все органы чувств для создания комплексного эстетического восприятия и опыта. Это открывает новые перспективы для актуализации традиционного искусства в цифровую эпоху, а также создает основу для дальнейших исследований.

Ключевые слова: живопись, тушь, дизайн, иммерсивный, опыт, сцены, культура, наследие, ощущение, Китай

Abstract: This research explores fusing traditional Chinese ink painting with digital immersive technologies (VR/AR, holography, touch sensors), focusing on creating multi-sensory experiences. It examines the unique aesthetic language and philosophical foundations of ink painting, particularly the "unity of man and nature," essence over realism, and fluid spatio-temporal composition. The study analyzes how effectively these technologies transmit ink painting's artistic language, using practical cases like the "Dream on the River" digital pavilion. A core contribution is developing a "synergy of the five senses" model for immersive scene design. This multisensory approach aims to overcome the limitations of the two-dimensional plane, deepen aesthetic appreciation, and create an environment where viewers feel like "traveling inside the painting." The primary goal is to provide new technical and aesthetic strategies for the living preservation of traditional cultural heritage, enhancing its appeal and accessibility, especially for younger generations. An interdisciplinary methodology combines art history, digital technology, and sensory perception. Theoretical analysis deciphers ink painting's philosophy and aesthetics, while case studies (like "Dream on the River") systematically evaluate the effectiveness of translating artistic features into immersive environments. The key scientific novelty lies in proposing and applying the "synergy of the five senses" concept to immersive exhibition design. Moving beyond predominantly visual approaches, this study offers a holistic model activating all senses for a comprehensive aesthetic experience. This opens new prospects for preserving and revitalizing traditional art digitally and establishes a foundation for further research into cross-modal interaction within art and design.

Keywords: sense, heritage, culture, scenes, experience, immersive, design, China ink, painting, China

Аннотация: Предметом исследования является выражение элементов локального культурного наследия в визуальной системе городского бренда и методы их визуального перевода. Объектом исследования являются элементы культурного наследия в визуальной системе городского бренда. В отличие от предыдущей публикации автора в журнале, в данной работе предлагается к обсуждению трехуровневый путь выражения: «культурное очищение – реконструкция формы – визуальная коммуникация». Подробно анализируются три метода трансляции: очищение и перекодирование символов, деконструкция паттерна и реорганизация ритма, а также реконструкция и символизация регионального цветового спектра. Данное исследование посвящено художественному выражению локального культурного наследия в дизайне визуальных элементов городского бренда и обосновывает, как культурные символы транслируются в образ города. Применяется метод, сочетающий теоретические исследования с анализом конкретных случаев: сбор и анализ успешных практик (Бишань, Людуань, Юньнань). Также семиотический анализ: интерпретация культурных символов через призму теории знаков (например: маски Нуо как знаки ритуального наследия). Визуальный анализ ритмики орнаментов Людуань. Полевое исследование на этапе «культурной очистки». Исследование показало, что традиционные культурные ресурсы не только укрепляют узнаваемость городской культуры посредством научной визуальной реконструкции, но и расширяют коммуникационный путь системы бренда. В данной статье представлены теоретическое обоснование и методические рекомендации по визуальному конструированию городских брендов, а также рассматривается проектный путь, позволяющий расширить возможности современного выражения культурного наследия. Научная новизна исследования заключается в преодолении традиционной линейной модели «извлечение элементов – простое применение» за счёт интеграции трёх взаимосвязанных процессов: декодирования культурного ядра, современной дизайн-реконструкции и оптимизации коммуникативной эффективности. Автор разрабатывает трёхэтапную визуальную модель («культурная очистка – формальная реконструкция – визуальная коммуникация»), систематизирующую логику трансляции наследия в городском брендинге, а также предлагает три конкретных метода – символьную очистку, реструктуризацию орнаментов и цветовую адаптацию, – для повышения эффективности и применимости теории. При этом формулируются четыре принципа визуальной стратегии: упрощение, семантическая согласованность, современная эстетика и системное единство. Даны рекомендации для интеграции культурного наследия в визуальные системы разнотипных городских брендов.

Ключевые слова: семиотика, дизайн, трансформация, наследие, культура, визуал, бренд, город, самовыражение, реконструкция

Abstract: The subject of the research is the expression of local cultural heritage elements in the visual system of the city brand and the methods of their visual translation. The object of the research is the elements of cultural heritage in the visual system of the city brand. Unlike the author's previous publication in the journal, this paper proposes for discussion a three-level way of expression: "cultural purification - form reconstruction - visual communication". Three translation methods are analyzed in detail: purification and recoding of symbols, pattern deconstruction and rhythm reorganization, as well as reconstruction and symbolization of the regional color spectrum. This study is devoted to the artistic expression of local cultural heritage in the design of visual elements of the city brand and substantiates how cultural symbols are translated into the image of the city. A method is used that combines theoretical research with case studies: collection and analysis of successful practices (Bishan, Luduan, Yunnan). Also semiotic analysis: interpretation of cultural symbols through the prism of the theory of signs (for example: Nuo masks as signs of ritual heritage). Visual Analysis of the Rhythm of Luduan Ornaments: A Field Study at the Stage of “Cultural Purification”. The study found that traditional cultural resources not only strengthen the recognition of urban culture through scientific visual reconstruction, but also expand the communication path of the brand system. This article provides a theoretical basis and methodological recommendations for the visual construction of urban brands, and considers a project path that can expand the possibilities of modern expression of cultural heritage. The scientific novelty of the study lies in overcoming the traditional linear model of “element extraction - simple application” by integrating three interrelated processes: decoding the cultural core, modern design reconstruction and optimization of communicative efficiency. The author develops a three-stage visual model (“cultural purification - formal reconstruction - visual communication”) that systematizes the logic of heritage transmission in urban branding, and also proposes three specific methods - symbolic purification, ornament restructuring and color adaptation - to improve the efficiency and applicability of the theory. Four principles of visual strategy are formulated: simplification, semantic consistency, modern aesthetics and systemic unity. Recommendations are given for integrating cultural heritage into visual systems of different types of city brands.

Keywords: reconstruction, self-expression, semiotics, design, transformation, heritage, culture, visual, brand, city

Аннотация: Джордж Кадиш (1910–1997) – литовский еврей, фотограф, выживший узник Каунасского гетто. На протяжении нескольких лет он тайно фотодокументировал повседневность узников гетто. Объектом исследования в данной статье является серия фотографий Джорджа Кадиша, сделанных в Каунасском гетто в период с 1941 по 1944 гг., а предметом исследования – форма авторского высказывания о событии в документальной фотографии. В статье снимки Кадиша предлагается проанализировать с точки зрения двойственности документальной фотографии: как прямое и непрямое высказывание о событии. Особое внимание в статье уделяется второму типу документальности, которое отсылает не только к самой фотографии, но и к событию в целом, позволяя вывести анализ фотографии за ее же собственные рамки. В основе предложенного визуального анализа лежит подход Диди-Юбермана. В анализе снимков он уделяет особое внимание изображенному пространству и случайным деталям, а также самой практике фотографирования. Такой подход позволяет не просто описать фотографии, но расширить возможности их понимания. Новизна данного исследования заключается в применении методологии Диди-Юбермана к фотографиям Джорджа Кадиша. В рамках предложенного в статье анализа рассматривается несколько сюжетных групп фотографий. Особенно важным оказывается обратить внимание на те элементы в фотографии, которые на первый взгляд могут показаться незначительными и малоинформативными. В статье осуществляется попытка наделить эти фотографии особым свидетельским статусом. Они предстают не только как зафиксированные моменты той реальности, но как сосредоточение опыта узников – никогда невыразимого до конца. В статье изложена точка зрения о том, что эти фотографии предстают перед нами, с одной стороны, как фрагменты индивидуального опыта, а с другой – в качестве части коллективного опыта Холокоста.

Ключевые слова: фотография, документальность, прямое высказывание, непрямое высказывание, Холокост, свидетельство, Жорж Диди-Юберман, Джордж Кадиш, индивидуальный опыт, коллективная память

Abstract: George Kadish (1910–1997) was a Lithuanian Jew, photographer, and survivor of the Kaunas ghetto. For several years, he secretly documented the daily lives of ghetto prisoners. The object of research in this article is a series of photographs by George Kadish, taken in the Kaunas ghetto in the period from 1941 to 1944, and the subject of the study is the form of the author's statement about the event in documentary photography. The article proposes to analyze Kaddish images from the point of view of the duality of documentary photography as a direct and indirect statement about an event. The article pays special attention to the second type of documentary, which refers not only to the photograph itself, but also to the event as a whole, allowing the analysis of photography to go beyond its own framework. The proposed visual analysis is based on the Didi-Huberman approach. In analyzing the images, he pays special attention to the depicted space and random details, as well as the practice of photographing itself. This approach allows not only to describe the photos, but also to expand the possibilities of understanding them. The novelty of this study lies in the application of the Didi-Huberman methodology to the photographs of George Kadish. Within the framework of the analysis proposed in the article, several subject groups of photographs are considered. It is especially important to pay attention to those elements in the photo that may seem insignificant and uninformative at first glance. The article attempts to give these photographs a special witness status. They appear not only as fixed moments of that reality, but as the concentration of the prisoners' experience, which is never fully expressed. The article presents the point of view that these photographs appear to us, on the one hand, as fragments of individual experience, and on the other – as part of the collective experience of the Holocaust.

Keywords: collective memory, individual experience, George Kadish, Georges Didi-Huberman, testimony, Holocaust, indirect statement, direct statement, documentary, photography

Аннотация: Визуальная культура рубежа XX–XXI веков демонстрирует устойчивый интерес к гностическим мотивам, проявляющимся как в кино и медиаискусстве, так и в перформативных, архитектурных и биоарт-практиках. В центре исследования – анализ визуальных форм, в которых гностическое знание реализуется не как иконография, но как способ переживания инаковости, утраты и сакрального разрыва. Объектом исследования выступает визуальная культура современности как поле репрезентации сакрального знания в постсекулярном контексте. Предметом исследования являются гностические образы и их интерпретация в современной визуальной практике – от кино и биоарта до инсталляционных, перформативных и архитектурных форм. В фокусе – способы, с помощью которых гностическая оптика трансформируется в визуальные коды, не сводимые к иллюстрации, а действующие как инициация, прореха в знаковом, вызов чувственному. Особое внимание уделяется тому, как современное искусство использует свет, пустоту, молчание и фрагмент не как формальные приёмы, а как структуры сакрального опыта. Гностическая визуальность рассматривается как форма пневматического познания – не передающего смыслы, а вызывающего анамнесис. Исследование опирается на философию визуального как способ анализа медийной репрезентации сакрального, феноменологию образа – для выявления онтологического статуса визуального мотива, герменевтику символа – для интерпретации архетипических структур, и гностическую онтологию – как метафизическую рамку прочтения визуального опыта. Основными выводами проведённого исследования являются утверждение гностической визуальности как особого типа образности, проявляющейся в современных художественных, перформативных и кинематографических практиках, и выявление механизмов ремифологизации сакрального опыта через образы света, фрагмента, молчания и распада. Исследование показывает, что гностический образ действует не как иконографический знак, а как инициация – через перцептивное и телесное переживание. Научная новизна состоит в интерпретации гностических мотивов – Софии, демиурга, трёхчленной антропологии, плеромы – в контексте современной визуальной культуры, а также в введении в научный оборот понятия иконического неомифа как эстетической стратегии восстановления сакральной формы вне традиции, через свет, тишину и пустоту. Особым вкладом автора является разработка междисциплинарного подхода, соединяющего гностическую онтологию образа с феноменологией восприятия и философией визуального опыта.

Ключевые слова: гностицизм, визуальная культура, современное искусство, феноменология образа, иконический неомиф, плерома, перформанс, биоарт, архетип, ремифологизация

Abstract: The visual culture at the turn of the 20th to the 21st century demonstrates a persistent interest in gnostic motifs, manifesting in film and media art as well as in performative, architectural, and bioart practices. The focus of the study is the analysis of visual forms in which gnostic knowledge is realized not as iconography but as a way of experiencing otherness, loss, and sacred rupture. The object of study is the visual culture of modernity as a field of representation of sacred knowledge in a post-secular context. The subject of the research includes gnostic images and their interpretation in contemporary visual practice—from cinema and bioart to installation, performative, and architectural forms. The emphasis is on the ways in which gnostic optics transform into visual codes that are not reducible to illustration but act as initiation, a gap in the sign, a challenge to the sensual. Special attention is given to how contemporary art uses light, emptiness, silence, and fragment not as formal techniques but as structures of sacred experience. Gnostic visuality is viewed as a form of pneumatic knowledge—not conveying meanings but invoking anamnesis. The research relies on the philosophy of the visual as a method of analyzing media representation of the sacred, the phenomenology of the image—to reveal the ontological status of the visual motif, hermeneutics of the symbol—for the interpretation of archetypal structures, and gnostic ontology—as a metaphysical framework for reading visual experience. The main conclusions of the study assert gnostic visuality as a special type of imagery manifested in contemporary artistic, performative, and cinematic practices, identifying mechanisms of remythologization of sacred experience through images of light, fragment, silence, and decay. The study shows that the gnostic image acts not as an iconographic sign but as initiation—through perceptual and bodily experience. The scientific novelty lies in the interpretation of gnostic motifs—Sophia, the demiurge, tripartite anthropology, pleroma—in the context of contemporary visual culture, as well as in the introduction of the concept of iconic neomyth as an aesthetic strategy for restoring sacred form outside of tradition, through light, silence, and emptiness. A unique contribution of the author is the development of an interdisciplinary approach that connects gnostic ontology of the image with the phenomenology of perception and the philosophy of visual experience.

Keywords: archetype, bioart, performance, pleroma, iconic neomyth, phenomenology of image, contemporary art, visual culture, gnosticism, remythologization

Аннотация: Искусство уличных пространств становится все более актуальным и популярным в современном мире. В данной статье предлагается провести сравнительный анализ паблик-арта в двух крупных странах – Китае и России. Предметом исследования являются популярные направления в уличном искусстве Китая и России. Статья содержит результаты компаративистского исследования паблик-арта в обеих странах. Особое внимание уделяется популярным направлениям уличного искусства, анализу актуальных тенденций развития данного жанра. Автор детально раскрывает функциональные аспекты паблик-арта в контексте культурных особенностей России и Китая, выявляя общие черты и уникальные особенности этих направлений. Исследование ориентировано на выявление актуальных тенденций в уличном искусстве и перспектив развития паблик-арта на территории обеих стран.  В ходе исследования применялись методы сравнительного анализа и синтеза, исторический метод, а также аксиоматический метод. Новизной исследования является рассмотрение паблик-арта с учетом национальных особенностей и культурных традиций каждого государства. Сопоставление данного искусства в Китае и России позволило выявить общие черты в современной художественной практике: масштабы распространения, основные тематические направления и функциональную значимость. Полученные результаты станут основой для дальнейших научных исследований в области современного искусства, дизайна и урбанизма, а также могут способствовать более глубокому пониманию влияния паблик-арта на формирование культурного ландшафта и общественного мнения в обеих странах. Сравнительный анализ открывает новые перспективы для изучения взаимодействия искусства с обществом в разных культурных контекстах. Понимание особенностей уличного искусства в Китае и России поможет лучше осознать его роль в формировании культурной и социальной среды, а также в развитии современных тенденций в искусстве.

Ключевые слова: современное искусство, паблик-арт, Китай, Россия, урбанизм, анализ, дизайн, современные художники, общественные пространства, городское пространство

Abstract: The art of street spaces is becoming more and more relevant and popular in the modern world. This article proposes to conduct a comparative analysis of public art in two major countries - China and Russia. The subject of the study is the popular trends in street art in China and Russia. The article contains the results of a comparative study of public art in both countries. Special attention is paid to popular areas of street art, the analysis of current trends in the development of this genre. The author reveals in detail the functional aspects of public art in the context of the cultural characteristics of Russia and China, identifying common features and unique features of these areas. The research is focused on identifying current trends in street art and prospects for the development of public art in both countries. The research used methods of comparative analysis and synthesis, the historical method, as well as the axiomatic method. The novelty of the research is the consideration of public art, taking into account the national characteristics and cultural traditions of each state. A comparison of this art in China and Russia allowed us to identify common features in modern artistic practice: the scale of distribution, the main thematic areas and functional significance. The results obtained will form the basis for further scientific research in the field of contemporary art, design and urbanism, and may also contribute to a deeper understanding of the influence of public art on the formation of the cultural landscape and public opinion in both countries. Comparative analysis opens up new perspectives for studying the interaction of art with society in different cultural contexts. Understanding the peculiarities of street art in China and Russia will help to better understand its role in shaping the cultural and social environment, as well as in the development of modern trends in art.

Keywords: public spaces, contemporary artists, design, analysis, urbanism, contemporary art, Russia, China, public art, urban space

Аннотация: В статье сделана попытка понять причину феномена популярности понятия «кринж» распространившегося из молодежного сленга, в начале ХХI века, а также оценить культурное значение данного явления. В качестве доказательства проникновения кринжа в массовую культуру приводится жанр кринж-комедии. Т. е. особого рода комедии ситуаций. Подобные шоу часто используют элементы (псевдо)документалистики. Темпорально расцвет этого жанра совпадает с упадком объяснительной силы постмодернисткой теории, претендующей на роль основного языка описания культурных трендов (в первую очередь, стран Запада) второй половины ХХ века. Возникают многочисленные концепции, призванные отразить новейшие тенденции современности, которые отечественный философ А. Павлов объединяет под зонтичным термином «постпостмодернизм». Одним из самых известных и востребованных концептов подобного рода является «метамодернизм». Для анализа перемен в чувственности используется концепт Р. Уильямса "структура чувств". Основные методы, которые были использованы в данном исследовании: контекстуальный, историко-генетический, компаративный, культурологический анализ. Новизна исследования заключается в том, возможно ли с помощью понятия "метамодернизм" концептуализировать сдвиги в чувственности, позволившие кринжу стать знаком нашего времени. Или же для описания перемен достаточно "устаревшего" понятия "постмодернизм". Очевидно, что существует значительный запрос хотя бы на какую-то форму аутентичности и, одновременно, на связь с другими, даже если эта связь столь эфемерна, как общее для всех чувство неловкости. Однако авторы концепции "метамодернизм" лишь пунктирно обозначают связь изменений в чувственности с изменениями социально-экономических условий. Тезис Адама Коцко позволяет компенсировать данный недостаток, увязав перемены в чувственности с экономическим переходом от фордизма к постфордизму. Но перемены, произошедшие в структуре чувств, с неменьшим успехом могут быть объяснены и в рамках постмодернизма. Эти изменения являются развитием социальных и культурных трендов прошлого столетия. Поэтому выбор постмодернизма или метамодернизма в качестве инструмента определяется предпочтениями исследователя, а сам феномен кринжа и связанные с ним культурные явления вполне вписываются в рамки теории постмодернизма, что позволяет подчеркнуть преемственность между социально экономическими основаниями и их репрезентацией в культуре.

Ключевые слова: постмодернизм, метамодернизм, структура чувств, популярная культура, массовая культура, ситком, кринж-комедия, кринж, капитализм, постфордизм

Abstract: The article attempts to understand the reason for the phenomenon of popularity of the term "cringe" that spread from youth slang at the beginning of the 21st century. The genre of cringe comedy is posited as an exemplar of the penetration of cringe into popular culture. The temporal coincidence of the genre's emergence with the waning influence of postmodernist theory, which purports to be the primary language for describing cultural trends, particularly in Western countries, during the second half of the 20th century, is noteworthy. Consequently, a number of concepts have been created to reflect the latest trends of our time, which the philosopher A. Pavlov has summarized under the term "postpostmodernism". A prominent example of this is the concept of "metamodernism", which has gained significant popularity. This concept has been employed to theorize the shifts in the "structure of feeling" that have led to the emergence of cringe as a salient phenomenon of our contemporary era. It is evident that there is a significant demand for at least some form of authenticity and, simultaneously, for connection with others, even if that connection is as ephemeral as the shared feeling of awkwardness. However, the authors of the "metamodernism" concept only vaguely outline the connection between changes in sensibility and changes in socio-economic conditions. Adam Kotsko's thesis helps to compensate for this shortcoming, linking shifts in sensibility with the economic transition from Fordism to Post-Fordism. Yet, the changes that have occurred in structures of feeling can equally be explained within the framework of postmodernism. Therefore, the choice between postmodernism or metamodernism as a tool is determined by the preferences of the researcher, and the phenomenon of cringe, along with related cultural phenomena, fits well within the framework of postmodern theory, emphasizing the continuity between socio-economic bases and their representation in culture.

Keywords: mass culture, post-fordism, capitalism, postmodernism, metamodernism, structure of feeling, cringe comedy, popular culture, sitcom, cringe

Аннотация: Предметом исследования является цивилизационная уникальность гендерных знаков и символов, входящих в архетипическую структуру кодов китайской культуры на уровне древних традиций и современной морфологии, включая новейшую социалистическую доктрину. Неизменность базовых атрибутов гендерной семиотики нашла выражение во всех ключевых сферах культуры, включая искусство и живопись, что определило цель и задачи исследования: обосновать иконографические образы «мужского» и «женского» в китайском соцреализме посредством связи с древней традицией саньцзяо, архетипы и символы которой фиксируют культовое почитание «мужчины-Отца» как главы рода и основателя нации; раскрыть причины и следствия утверждения социалистического реализма в китайской живописи ХХ-ХХI вв.; преодолеть узость определения «соцреализма» как художественного метода и признать его специфичным проявлением в культуре КНР и СССР идеологической веры в оптимистическое будущее социалистического общества, основанного на трудовом героизме, равенстве мужчин и женщин, социальной справедливости и отсутствии классов. Методологический инструментарий исследования включил совокупность методов и приемов семиотического анализа текстов культуры, устной и письменной традиции, изображений живописи, цифровых аналогов художественной визуализации. Описательные, исторические, сравнительные, структурные, формально-логические методы применялись в сочетании друг с другом, чтобы обеспечить всестороннее понимание искусства соцреализма. По результатам исследования получены выводы, имеющие новизну и актуальность в сфере теории культуры и искусства: доказано, что соцреализм в КНР и СССР был типом культуры с характерными атрибутами системы коллективных ценностей и коммунистического мировоззрения, утвердившего веру в справедливое будущее человека нового типа; определена морфологическая структура гендерных образов в живописи художников реалистов периодов «Большого скачка» (1958–1960) и Культурной революции (1966–1976), настоящего времени; классифицированы гендерные образы в живописи соцреализма в соответствии с архетипами мужчины-Отца, Мудреца, Праведника, Героя, женщины-Матери, юной красавицы; установлены социально-политические компоненты изменений в создании иконографии «мужского» и «женского» в контексте сложившейся историко-культурной ситуации и обоснована связь с архетипическими структурами культурного кода. Полученные выводы могут быть рекомендованы в практической области применения: теории и истории культуры, семиотики культуры, реалистическом искусстве.

Ключевые слова: культурный код, традиционная китайская культура, саньцзяо, гендерные архетипы, мужское и женское, социалистическая культура, реализм, китайский соцреализм, советский соцреализм, коммунистическая идеология

Abstract: The subject of the study is the civilizational uniqueness of gender signs and symbols that are part of the archetypal structure of codes in Chinese culture at the level of ancient traditions and modern morphology, including the latest socialist doctrine. The constancy of the basic attributes of gender semiotics is expressed in all key areas of culture, including art and painting, which determined the goal and objectives of the research: to substantiate the iconographic images of the "male" and "female" in Chinese socialist realism through a connection with the ancient tradition of sanjiao, whose archetypes and symbols fix the cultic reverence for the "man-Father" as the head of the clan and the founder of the nation; to reveal the causes and consequences of the establishment of socialist realism in Chinese painting of the 20th-21st centuries; to overcome the narrow definition of "socialist realism" as an artistic method and recognize it as a specific manifestation in the culture of the PRC and the USSR of ideological faith in the optimistic future of the socialist society based on labor heroism, equality of men and women, social justice, and the absence of classes. The methodological toolkit of the study included a combination of methods and techniques of semiotic analysis of cultural texts, oral and written tradition, images of painting, and digital analogs of artistic visualization. Descriptive, historical, comparative, structural, and formal-logical methods were applied in combination with each other to provide a comprehensive understanding of socialist realism art. The research results yielded conclusions that are novel and relevant in the field of cultural and art theory: it has been proven that socialist realism in the PRC and the USSR was a type of culture with characteristic attributes of a system of collective values and a communist worldview that affirmed faith in the just future of the new type of person; the morphological structure of gender images in the paintings of realist artists from the "Great Leap Forward" period (1958-1960) and the Cultural Revolution (1966-1976) to the present has been identified; gender images in socialist realism paintings have been classified according to the archetypes of the Father-Man, the Sage, the Righteous, the Hero, the Mother-Woman, and the Young Beauty; social and political components of changes in the creation of the iconography of the "male" and "female" in the context of the established historical and cultural situation have been established, and a connection with archetypal structures of the cultural code has been justified. The conclusions obtained can be recommended for practical application in the fields of cultural theory and history, cultural semiotics, and realistic art.

Keywords: soviet socialist realism, Chinese social realism, realism, socialist culture, male and female, gender archetypes, Sanjiao, Traditional Chinese Culture, cultural code, communist ideology

Аннотация: Статья посвящена деятельности пейзажного класса в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), ставшего особым явлением в русской художественной культуре, так как с творчеством его выпускников (А.К. Саврасова, И.И. Левитана, К.А. Коровина) связаны одни из высших достижений русского реалистического пейзажа. В 1857–1882 гг. руководителем класса стал Алексей Кондратьевич Саврасов (1830–1897), благодаря влиянию которого сформировалась московская пейзажная школа. Центральное место в исследовании занимает вопрос о роли А.К. Саврасова как руководителя класса, анализируется эволюция его педагогического метода, который претерпевал изменения в течение 25 лет его преподавательской практики, что было связано во многом с его творческими поисками. Особое внимание в исследовании уделяется раскрытию взаимосвязей пейзажного класса, его учеников, с художественной жизнью Москвы. Выявлено, что ученики класса были не только пассивными созерцателями художественного процесса, посещая собрания московских коллекционеров, но и его активными участниками. Они принимали участие в лотереях и конкурсах, устраиваемых московскими художественными обществами, а также экспонировали свои работы на выставках, получая отклики в прессе. Методологическая база исследования основывается на культурно-историческом анализе, включающем работу с архивными данными, а также источниками личного происхождения и периодикой. Научная новизна работы заключается в том, что исследование представляет целостную, объемную картину жизни пейзажного класса МУЖВЗ данного периода в контексте историко-культурной ситуации в Москве. Выводы исследования демонстрируют, что пейзажный класс в 1857–1882 гг. представляет собой уже сложившееся явление в образовательной системе МУЖВЗ с собственными педагогическими наработками, которые приносят ощутимые результаты в творчестве учеников, а сами воспитанники класса были плотно интегрированы в художественный процесс, происходящий в русском искусстве конца 1850-х–начала 1880-х гг. Кроме того, в статье обозначен круг учеников пейзажного класса, многие из которых являются малоизвестными сейчас художниками. Исследование способствует введению в научный оборот их имен, что может стать отправной точкой для дальнейших изысканий по истории отечественного пейзажа.

Ключевые слова: русское искусство, пейзаж, реализм, московская школа пейзажа, московская школа живописи, А.К. Саврасов, И.И. Левитан, К.А. Коровин, художественное образование, педагогика изобразительного искусства

Abstract: The article is devoted to the activities of the landscape class at the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture (MUZHVZ), which became a special phenomenon in Russian artistic culture, since some of the highest achievements of Russian realistic landscape are associated with the work of its graduates (A.K. Savrasov, I.I. Levitan, K.A. Korovin). In 1857–1882, the head of the class was Alexei Kondratievich Savrasov (1830–1897), thanks to whose influence the Moscow landscape school was formed. The central place in the study is occupied by the question of the role of A.K. Savrasov as a class leader, the evolution of his pedagogical method is analyzed, which changed during 25 years of his teaching practice, which was largely due to his creative searches. The study pays special attention to the revelation of the connections between the landscape class, its students, and Moscow artistic life. It was revealed that the students of the class were not only passive observers of the artistic process, attending meetings of Moscow collectors, but also its active participants. They took part in lotteries and competitions organized by Moscow artistic societies, and also exhibited their works at exhibitions, receiving responses in the press. The methodological basis of the research is based on cultural and historical analysis, including work with archival data, as well as personal sources and periodicals. The scientific novelty of the work lies in the fact that the study presents a holistic picture of the life of the landscape class of the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture of this period in the context of the historical and cultural situation in Moscow. The findings of the study demonstrate that the landscape class in 1857–1882 was already an established phenomenon in the educational system of the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture with its own pedagogical developments that brought tangible results in the creativity of students, and the students of the class themselves were closely integrated into the artistic process taking place in Russian art in the late 1850s–early 1880s. In addition, the article identifies the circle of students in the landscape class, many of whom are little-known artists today. The study contributes to the introduction of their names into scientific circulation, which may become a starting point for further research into the history of Russian landscape.

Keywords: art education, K.A. Korovin, I.I. Levitan, A.K. Savrasov, Moscow school of painting, Moscow school of landscape, realism, landscape, Russian Art, pedagogy of fine art

Аннотация: Объект настоящего исследования – теория и практика современного дизайна Китая, в которых прослеживается использование искусства народа мяо. Предмет исследования – специфика интеграции традиционного искусства мяо в современном дизайне Китая. В ходе рассмотрения темы рассматривается проблематика исследования, кратко обозначены результаты существующих исследований культуры мяо, обозначены специфика эстетики мяо и возможности ее применения в тех или иных сферах дизайна. На примере ряда дизайн-проектов прослеживаются инновационные интерпретации технологий, материалов и визуального языка искусства мяо в разработке современной продукции. Обозначена необходимость актуализации и модернизации искусства мяо методами современного дизайна в соответствии с ожиданиями и эстетическими предпочтениями современного общества. Отдельно рассматривается вопрос о цифровых технологиях в сфере инновационного развития искусства мяо для реализации тех или иных дизайн-проектов. Основными методами в исследовании проблематики выступили: систематизация, кейс-стади, обобщение, а также метод индукции и метод междисциплинарного исследования. В работе впервые в российской науке прослеживаются основные аспекты теории и практики интеграции искусства народа мяо в творчестве современных китайских дизайнеров. В ходе исследования делается вывод о том, что актуальность и ценность искусства мяо в современном дизайне Китая объясняются запросом китайского общества на продукцию, имеющую связи с традиционной культурой и культурой этнических меньшинств, развитием сферы внутреннего туризма, а также большой востребованностью сувенирной продукции. Эстетика и искусство народа мяо обеспечивают широкие возможности для инновационного развития экологического дизайна, этнического стиля в дизайне и др. Кроме того, значителен потенциал использования современных цифровых технологий в реализации различных дизайн-проектов, предполагающих переосмысление и обновление искусства мяо. Использование инноваций позволяет раздвинуть границы в представлениях о материалах, техниках, художественных формах и способах выражения значимых общечеловеческих смыслов. В результате современный китайский дизайн активно выводит искусство народа мяо за пределы традиционной культуры и региона, давая ему новую жизнь и новую интерпретацию с позиций глобализации и мультикультурализма.

Ключевые слова: трансграничное искусство, этническое искусство, декоративно-прикладное искусство, дизайн, Китай, народность мяо, инновации, этнический стиль, актуальные тенденции, своеобразие культурной традиции

Abstract: The object of this study is contemporary design in China. The subject of the research is the current trends in the innovative development of traditional Miao art in modern Chinese design. The study addresses the research issues, briefly outlines the results of existing research on Miao culture, and highlights the specifics of Miao aesthetics and its applicability in various design fields. Through a number of design projects, the innovative interpretations of technologies, materials, and the visual language of Miao art in the development of contemporary products are traced. The necessity of updating and modernizing Miao art through contemporary design methods in accordance with the expectations and aesthetic preferences of modern society is emphasized. The question of digital technologies in the innovative development of Miao art for the implementation of specific design projects is examined separately. The main research methods include systematization, case study, and generalization, which allowed for the identification of general trends in the innovative development of traditional Miao art in modern Chinese design based on specific design projects. For the first time in Russian science, the main approaches of Chinese designers to the reevaluation and modernization of Miao art are traced. The study concludes that the relevance and value of Miao art in contemporary design in China are explained by the demand from Chinese society for products connected to traditional culture and the culture of ethnic minorities, the development of domestic tourism, and the high demand for souvenir products. The aesthetics and art of the Miao people provide wide opportunities for the innovative development of ecological design, ethnic style in design, and more. Additionally, there is significant potential for using modern digital technologies in the implementation of various design projects that involve reevaluating and renewing Miao art. The use of innovations allows for expanding the boundaries of perceptions regarding materials, techniques, artistic forms, and ways of expressing meaningful universal concepts. As a result, modern Chinese design actively brings Miao art beyond the confines of traditional culture and the region, giving it new life and new interpretations from the perspectives of globalization and multiculturalism.

Keywords: ethnic style, innovations, Miao ethnic group, China, design, decorative and applied art, ethnic art, transboundary art, current trends, uniqueness of cultural tradition

Аннотация: Статья посвящена исследованию диалогической природы музыкально-поэтического синтеза в вокальном цикле Г. Свиридова «Песни странника». Рассматривается уникальный опыт композитора в создании музыкального произведения на основе древнекитайской поэзии в переводах Ю.К. Щуцкого. Исследуются особенности взаимодействия русской и китайской культурных традиций на уровне музыкального языка, драматургии и исполнительской интерпретации. Анализируются символическая семантика музыкальных образов цикла, специфика вокальной декламации и особенности трактовки фортепианной партии как равноправного участника музыкального диалога. Особое внимание уделяется историческому контексту создания цикла, связанному с пребыванием композитора в эвакуации в Новосибирске в 1941-1942 годах, что обусловило особое эмоциональное состояние «затерянности» и одновременно открытости к восточной культуре. Рассматривается также исполнительская судьба произведения, впервые получившего концертное воплощение лишь в XXI веке. Исследование опирается на комплексный междисциплинарный подход, сочетающий музыковедческий анализ с элементами культурологического, литературоведческого и исполнительского анализа. Используются методы стилистического, структурно-функционального и сравнительного анализа, позволяющие раскрыть диалогическую природу произведения. Привлекаются также биографический и историко-контекстуальный методы для выявления связи художественных особенностей цикла с жизненными обстоятельствами и творческой эволюцией композитора. Научная новизна исследования заключается в комплексном рассмотрении диалогической природы вокального цикла «Песни странника» как уникального явления синтеза восточной и западной культурных традиций. Впервые проведен детальный анализ символической семантики музыкального языка цикла, выявлены особенности взаимодействия вокальной и фортепианной партий как равноправных участников диалога культур. Установлено, что Свиридов создает оригинальную систему музыкальных символов, воплощающих философскую глубину китайской поэзии без прямой стилизации, формируя тем самым новый тип межкультурного диалога в музыкальном искусстве. Исследование вносит вклад в понимание творческой эволюции Свиридова, демонстрируя неизвестную ранее грань его композиторского дарования – способность к глубокому проникновению в иную культурную традицию. Выявлены также особенности исполнительской интерпретации цикла, требующей от музыкантов специфического сочетания различных вокальных и пианистических традиций.

Ключевые слова: восточная эстетика, диалог культур, музыкальное воплощение, Юлиан Щуцкий, китайская поэзия, музыкальная семантика, вокальный цикл, Георгий Свиридов, исполнительская интерпретация, архетип странника

Abstract: The article explores the dialogic nature of the musical-poetic synthesis in Georgy Sviridov’s vocal cycle Songs of the Wanderer. It examines the composer’s unique approach to creating a musical work based on ancient Chinese poetry translated by Yu.K. Shchutsky. The study investigates the interaction between Russian and Chinese cultural traditions at the levels of musical language, dramatic structure, and performance interpretation. It analyzes the symbolic semantics of the cycle’s musical imagery, the specifics of vocal declamation, and the treatment of the piano part as an equal participant in the musical dialogue. Special attention is given to the historical context of the cycle’s creation, linked to Sviridov’s evacuation to Novosibirsk in 1941–1942, which shaped a distinct emotional state of "lostness" while simultaneously fostering openness to Eastern culture. The performance history of the work, which only received its first concert realization in the 21st century, is also considered. The research employs an interdisciplinary approach combining musicological analysis with elements of cultural, literary, and performance studies. Methods of stylistic, structural-functional, and comparative analysis are used to reveal the dialogic essence of the work. Biographical and historical-contextual methods are also applied to explore the connection between the cycle’s artistic features and the composer’s life circumstances and creative evolution. The scholarly novelty of the study lies in its comprehensive examination of the dialogic nature of Songs of the Wanderer as a unique synthesis of Eastern and Western cultural traditions. For the first time, a detailed analysis of the symbolic semantics of the cycle’s musical language is conducted, revealing the interaction between vocal and piano parts as equal participants in a cross-cultural dialogue. It is established that Sviridov creates an original system of musical symbols embodying the philosophical depth of Chinese poetry without direct stylization, thereby forming a new type of intercultural dialogue in musical art. The research contributes to the understanding of Sviridov’s creative evolution, showcasing a previously unexplored facet of his compositional talent—his ability to deeply engage with a foreign cultural tradition. The study also identifies the distinctive features of the cycle’s performance interpretation, which demands a unique combination of vocal and pianistic traditions from musicians.

Keywords: archetype of the wanderer, performance interpretation, Eastern aesthetics, cultural dialogue, musical embodiment, Julian Shchutsky, Chinese poetry, musical semantics, vocal cycle, Georgy Sviridov