Аннотация: Статья посвящена комплексному анализу образа противника в песенном творчестве периода Гражданской войны в России (1918–1922 гг.), главным образом наиболее популярных песен этого периода среди представителей обеих воюющих сторон, а также их региональных вариаций. Актуальность исследования обусловлена возрастающим интересом современной гуманитарной науки к механизмам идеологической пропаганды в условиях гражданских конфликтов, роли народного песнетворчества в формировании массового сознания, а также значением исторической памяти о Гражданской войне как ключевом событии XX века, определившем дальнейшее развитие российской государственности.Цель работы – выявить основные различия в конструировании образа врага в песнях красных и белых, а также определить ключевые пропагандистские приёмы, использовавшиеся обеими сторонами. Методы: качественный контент-анализ текстов наиболее популярных песен, частушек и маршей (авторских и народных), привлечение архивных сборников фольклора, мемуаров и мемуарной литературы. Результаты: Установлено, что в красноармейских песнях доминирует конкретный, сатирически окрашенный и предельно демонизированный образ врага (в песнях красных упоминаются реальные личности – Колчак, Деникин, Врангель;их классовые враги – буржуи, попы, кулаки, офицеры; внешние интервенты), достигаемый путём использования различных приёмов дегуманизации (зооморфные метафоры «псы-атаманы», «белые псы»), классовой лексики, упрощения и цветовой символики. В белогвардейских песнях образ противника более безличен, абстрактен и речь чаще идёт о защите «Святой Руси» от безымянного хаоса («красные цепи», «чернь», «комиссары»). В конечном счёте красная пропаганда оказалась эффективнее в мобилизации масс благодаря простоте языка, эмоциональности и народному характеру, что во многом способствовало победе красных в Гражданской войне.

Ключевые слова: образ противника, песни Гражданской войны, красная пропаганда, белогвардейские песни, демонизация врага, дегуманизация, фольклор, идеологическое противостояние, Гражданская война, песня

Abstract: The article is devoted to a comprehensive analysis of the image of the enemy in the song creativity during the period of the Civil War in Russia (1918–1922), primarily focusing on the most popular songs of this period among representatives of both warring sides, as well as their regional variations. The relevance of the study is determined by the growing interest of contemporary humanities to the mechanisms of ideological propaganda in the context of civil conflicts, the role of folk song creation in the formation of mass consciousness, and the significance of historical memory about the Civil War as a key event of the 20th century that determined the further development of Russian statehood. The aim of the work is to identify the main differences in constructing the image of the enemy in the songs of the Reds and the Whites, as well as to determine the key propagandistic techniques used by both sides. Methods: qualitative content analysis of the texts of the most popular songs, ditties, and marches (both authored and folk), drawing on archival collections of folklore, memoirs, and memoir literature. Results: It was found that in the Red Army songs, a specific, satirically tinted, and highly demonized image of the enemy predominates (the songs of the Reds mention real figures – Kolchak, Denikin, Wrangel; their class enemies – the bourgeois, priests, kulaks, officers; external interventionists), achieved through the use of various dehumanization techniques (zoomorphic metaphors like "dog-atamans," "white dogs"), class lexicon, simplification, and color symbolism. In the White Guard songs, the image of the opponent is more impersonal, abstract, and often speaks of the defense of "Holy Russia" from nameless chaos ("red chains," "commoners," "commissioners"). Ultimately, Red propaganda turned out to be more effective in mobilizing the masses due to the simplicity of the language, emotionality, and folk character, which largely contributed to the victory of the Reds in the Civil War.

Keywords: image of the enemy, songs of the Russian Civil War, Red propaganda, White Guard songs, demonization of the enemy, dehumanization, folklore, ideological confrontation, Civil War, song

Аннотация: Исследование посвящено обзору основных тенденций развития русского и зарубежного (европейского) хорового искусства – для анализа проявления таких тенденций в русле петербургской хоровой школы, ее особенностей, что становится важно в связи с глобальным культурным диалогом на современном этапе. В «эпоху личности» важно рассмотреть роль хормейстера, организатора хора, в частности в Петербурге, чтобы глубже осмыслить тенденции современного искусства, культуры, их перспектив в связи с необходимостью возрождения национальной культуры, преодоления масштабного культурного кризиса. В качестве «характерной» и продуктивной фигуры хоровой школы Петербурга на современном этапе мы рассматриваем Ю. Г. Гурбо, с его великолепными достижениями в области хоров – отвечающими истинным потребностям времени. Метолодология исследования связана с психолого-биографическим ракурсом, акцентирующим роль личности, творческой личности – актуальным в наши дни. Подобный подход тем более важен применительно к петербургской арт-школе: максимально соединяя русское и европейское, она отличается личностной, эстетической тонкостью, позволяющими достигать особенных результатов. Петербургская хоровая школа, с одной стороны, отражает общероссийские особенности глубокой духовности (даже вне собственно религиозной сферы), большой музыкальности на фоне великих достижений русской музыки, важные моменты социальности; с другой стороны, она более «подвержена» европейским тенденциям светскости, разнообразия, психологизма, экспериментаторства, проявлений личностного начала – все это ярко проявляются в творчестве Ю. Г. Гурбо как мастера своего времени. Проработав на ответственных должностях в области хоров еще в советский период, будучи глубоко связан с предшественниками, Гурбо в постсоветский период на общественных началах – что вообще свойственно области хорового дела – развивает через Хор Святых Петра и Павла высокий уровень контактности с зарубежными коллегами, при сохранении всех важных черт русского, петербургского хорового искусства, он акцентирует широту и знаковость репертуара, его яркую подачу. В эпоху глобализации это приводит к заметной активизации внимания к русской культуре, как и к продуктивной популяризации хорового искусства в России. Такая универсальная стратегия подчеркивает характер, значение Северной столицы и ее деятелей в русле обновляющихся путей мировой культуры.

Ключевые слова: хоровая школа Петербурга, российские тенденции, европейские тенденции, личность, специфика Новейшего времени, глобальный культурный диалог, достижения Юрия Гурбо, феномен хора, современный хор, общественная инициатива

Abstract: The study is dedicated to reviewing the main trends in the development of Russian and foreign (European) choral art, analyzing the manifestation of such trends within the framework of the Petersburg choral school and its peculiarities, which becomes important in connection with the global cultural dialogue at the present stage. In the "age of the individual," it is important to consider the role of the choirmaster, the organizer of the choir, particularly in Petersburg, to gain a deeper understanding of the trends in contemporary art and culture, and their prospects in light of the need for the revival of national culture and overcoming a large-scale cultural crisis. We view Y. G. Gurbo as a "typical" and productive figure of the choral school in Petersburg at the present stage, with his magnificent achievements in the field of choirs, which meet the true needs of the time. The methodology of the research is associated with a psychological-biographical perspective, emphasizing the role of the individual, the creative personality—relevant in our time. Such an approach is all the more important in relation to the Petersburg art school: by maximally combining Russian and European influences, it is distinguished by personal and aesthetic subtlety, allowing for the achievement of exceptional results. The Petersburg choral school, on the one hand, reflects the all-Russian features of deep spirituality (even outside the strictly religious sphere), great musicality against the backdrop of the significant achievements of Russian music, and important aspects of sociality; on the other hand, it is more "susceptible" to European trends of secularism, diversity, psychological depth, and experimentation, as well as manifestations of individuality—all of which are vividly expressed in the work of Y. G. Gurbo as a master of his time. Having served in responsible positions in the choral field even during the Soviet period and being deeply connected with predecessors, Gurbo in the post-Soviet period, on a community basis—which is generally characteristic of the choral field—develops a high level of contact with foreign colleagues through the Choir of Saints Peter and Paul, while preserving all the important features of Russian, Petersburg choral art; he emphasizes the breadth and significance of the repertoire and its vivid presentation. In the era of globalization, this leads to a noticeable activation of attention to Russian culture, as well as to the productive popularization of choral art in Russia. This universal strategy emphasizes the character and significance of the Northern capital and its figures in the evolving paths of world culture.

Keywords: choir school of St. Petersburg, Russian trends, European trends, personality, specifics of Modern times, global cultural dialogue, achievements of Yuri Gurbo, phenomenon of the choir, contemporary choir, public initiative

Аннотация: Объектом исследования выступает оперное искусство рубежа XVIII–XIX веков. Предметом – оперно-исполнительское творчество певца Джованни Ансани. Джованни Ансани (1744–1826) – выдающийся тенор конца XVIII – начала XIX века. Он начал исполнять партии primo uomo в опере seria в те годы, когда певцы-кастраты еще блистали на сценах театров. Ансани проявил себя как прекрасный певец и талантливый педагог. Несмотря на масштаб его личности, по сей день остаются неизученными многие факты творческой биографии, не выявлена роль певца в развитии тенорового искусства, – это и определяет актуальность и новизну работы. Цель исследования – представить Джованни Ансани как универсального тенора, представителя староитальянского bel canto, чья деятельность оказала значительное влияние на формирование тенорового амплуа на рубеже XVIII–XIX веков. Среди методов исследования преобладает историко-биографический. Задачи исследования: охарактеризовать оперно-вокальную, педагогическую деятельность Джованни Ансани. А также рассмотреть мелодику оперных партий, исполняемых певцом. Основные выводы исследования: блестящие выступления Джованни Ансани, несомненно, оказали значительное влияние на возвышение тенора и его утверждение в статусе исполнителя главных мужских ролей (primo uomo) в то время когда еще велико было влияние певцов-кастратов. Благодаря появлению таких оперных исполнителей, как Джованни Ансани, его преемники-тенора (в числе которых был Мануэль дель Популо Висенте Гарсиа или Мануэль Гарсиа-старший), ранее исполнявшие второстепенные роли в опере seria, в начале XIX века сумели встать на одну ступень вокальной иерархии с кастратами, а затем полностью вытеснить их с оперных сцен, завоевав сердца многочисленных зрителей.

Ключевые слова: тенор, кастрат, опера, вокальная техника, исполнительский стиль, партия, творческая деятельность, вокал, вокальная мелодия, тип голоса

Abstract: The subject of the research is the operatic art of the turn of the 18th and 19th centuries. The object is the operatic performance creativity of the singer Giovanni Ansani. Giovanni Ansani (1744–1826) was an outstanding tenor of the late 18th and early 19th centuries. He began performing primo uomo roles in opera seria during the years when castrato singers still dazzled on theater stages. Ansani proved himself to be an excellent singer and a talented teacher. Despite the scale of his personality, many facts of his creative biography remain unstudied, and the role of the singer in the development of tenor art has not been revealed, which defines the relevance and novelty of this work. The goal of the research is to present Giovanni Ansani as a universal tenor, a representative of the old Italian bel canto, whose activity significantly influenced the formation of the tenor's role at the turn of the 18th and 19th centuries. The predominant method of research is historical-biographical. The tasks of the research are to characterize the operatic-vocal and pedagogical activities of Giovanni Ansani, as well as to examine the melodies of the operatic roles performed by the singer. The main conclusions of the research are that the brilliant performances of Giovanni Ansani undoubtedly had a significant impact on the elevation of the tenor and his establishment in the status of a performer of leading male roles (primo uomo) at a time when the influence of castrato singers was still strong. Thanks to the emergence of operatic performers like Giovanni Ansani, his successor tenors (including Manuel del Populo Vicente Garcia or Manuel Garcia the Elder), who previously performed secondary roles in opera seria, managed at the beginning of the 19th century to rise to the same level in the vocal hierarchy as the castrati, and eventually completely displaced them from the opera stages, winning the hearts of numerous audiences.

Keywords: tenore, castrat, opera, vocal technique, performing style, parte, creative activity, vocal, vocal melody, voice type

Аннотация: Объектом исследования является музыкальная журналистика Якутии второй половины ХХ века. Предмет исследования – музыкально-публицистическое наследие первого якутского профессионального хормейстера, народной артистки РС (Я), заслуженной артистки РСФСР Февронии Алексеевны Баишевой (1925–2017). Автор рассматривает такие аспекты как классификация музыкально-публицистического наследия Ф.А. Баишевой, основная тематика, проблематика её аналитических статей, обзоров, заметок, рецензий, творческих портретов. Особое внимание уделено конкретным проблемам развития музыкального искусства Якутии, которые поднимала она. Раскрыта её роль в развитии музыкальной публицистики Якутии как одного из представителей первых поколений музыкантов академического направления национальных республик РСФСР, которые взяли на себя миссию проводников в мир музыкального искусства для широких слоев населения своих регионов. Будучи билингвами, они на русском и родных языках заложили основы музыкальной публицистики в субъектах России, основной задачей которой, кроме информирования о событиях музыкального искусства, являлось просветительство, музыкально-эстетическое развитие, привитие населению хорошего художественного вкуса, формирование оценочных суждений о музыкальной культуре Якутии. В настоящем исследовании применены музыкально-исторический, сравнительный, классификационный, биографический методы, которые помогают раскрыть вклад Ф.А. Баишевой в музыкальную публицистику Якутии. Основными результатами проведенного исследования являются следующие выводы. Первый якутский профессиональный хормейстер Ф.А. Баишева оставила значительное музыкально-публицистическое наследие, знакомство с которым дает представление об основных процессах развития музыкальной культуры Якутии второй половины ХХ века, в том числе становлении музыкально-театрального, хорового искусства, системы музыкального образования, воспитания кадров музыкальной отрасли, основных проблемах развития классических и народных форм музыки в республике и т.д. Ф.А. Баишева, будучи успешным музыкальным исполнителем в качестве хорового дирижера, также является активным актором музыкально-публицистического процесса в Якутии, автором публикаций, выстроившей плодотворные коммуникационные связи со своей читательской аудиторией и проводившей с ней просветительскую, во многом образовательную работу, способствуя развитию музыкальной культуры в республике.

Ключевые слова: якутская музыкальная культура, музыкальная журналистика, якутское хоровое искусство, хормейстер, 100-летие, Ф.А. Баишева, Якутское хоровое общество, проблемы, развитие, якутское музыкальное искусство

Abstract: The object of the study is musical journalism in Yakutia in the second half of the 20th century. The subject of the research is the musical and journalistic legacy of the first professional choir conductor from Yakutia, People's Artist of the RS (Ya), Honored Artist of the RSFSR Fevroniya Alekseevna Baisheva (1925–2017). The author examines aspects such as the classification of F.A. Baisheva's musical and journalistic legacy, the main themes, issues in her analytical articles, reviews, notes, critiques, and creative portraits. Special attention is given to specific problems in the development of musical art in Yakutia that she raised. Her role in the development of musical journalism in Yakutia is highlighted as one of the representatives of the first generations of musicians in the academic direction of the national republics of the RSFSR, who took on the mission of being guides to the world of musical art for broad segments of the population in their regions. Being bilingual, they established the foundations of musical journalism in the subjects of Russia in both Russian and their native languages; its main tasks, in addition to informing about events in musical art, included enlightenment, musical and aesthetic development, fostering good artistic taste among the population, and forming evaluative judgments about the musical culture of Yakutia. This study employs musical-historical, comparative, classificatory, and biographical methods, which help to reveal F.A. Baisheva's contribution to musical journalism in Yakutia. The primary results of the research are the following conclusions. The first professional choir conductor from Yakutia, F.A. Baisheva, left a significant musical and journalistic legacy, familiarity with which provides insight into the main processes of the development of musical culture in Yakutia in the second half of the 20th century, including the formation of musical-theatrical and choral arts, the system of music education, training personnel for the music industry, and the main issues concerning the development of classical and folk forms of music in the republic, etc. F.A. Baisheva, as a successful musical performer and choir conductor, was also an active participant in the musical journalism process in Yakutia, an author of publications who established fruitful communication links with her readership and conducted educational and, to a large extent, enlightening work, contributing to the development of musical culture in the republic.

Keywords: Yakut musical culture, music journalism, Yakut choral art, choirmaster, 100th anniversary, F.A. Baisheva, Yakut Choral Society, problems, development, Yakut musical art

Аннотация: The purpose of this article is to popularize the music of our famous compatriot, composer Efrem Iosifovich Podhaits. His chamber music is the subject of research, and the sonata for double bass and piano is the object of study. Efrem Iosifovich is a very prolific composer who, year after year, pleases musicians and ordinary listeners with composing more and more new works, confirming his professional worth. The author's interests cover all musical genres. Along with symphonic, opera, and choral music, there are chamber compositions for all instruments. And the double bass is no exception. Despite the established opinion about it as an instrument exclusively accompanying, orchestral and jazz, Efrem Iosifovich goes beyond stereotypes and gives the double bass in his sonata a full-fledged solo part, which includes new playing techniques such as pizzicato on the fingerboard, glissando with flageolets, cross pizzicato on open strings with two hands and others. The author of the article claims that the sonata for double bass and piano is unique because it combines deep philosophical content and knowledge of all the subtleties of playing this instrument. Based on a detailed study, the author gives a subjective assessment of the form and inner world of the work. The main conclusion of the acquaintance with Efrem Iosifovich's chamber composition is the conviction that it is necessary to familiarize oneself with and include one of the most remarkable contrabass opuses in the current repertoire of performing musicians. This is confirmed by the release of the Anthology "Modern Music for Double Bass" by the publishing house of the Moscow Conservatory, which includes three sonatas, including the sonata by Podhaitz. The article emphasizes that despite the modern language of writing, Efrem Iosifovich's style remains recognizable and unique. The composer does not deviate from the classical canons of art and relies in his work on three main musical "whales" – rhythm, harmony and melody. The novelty of the article lies in the fact that before the author, this work unfairly remained in the shadow of other works, and did not act as an object for special research. The article is a huge contribution to spreading information about this little-known work among fellow musicians and students.

Ключевые слова: The sonata, musical composition, double bass, symphonic music, new ways of sound production, the composer of modern times, sonata for double bass, works, concerts, chamber music

Аннотация: Статья посвящена вопросам развития фортепианного аккомпанемента в камерно-вокальном репертуаре в контексте пятисотлетней истории клавирной музыки. Клавир появился на свет в качестве альтернативы лютне как инструмент более пригодный и удобный для аккомпанемента пению и танцам. «Внедрение» клавира в хоровую и сольную вокальную музыку преобразовывало стиль и характер музицирования, создавало дополнительные художественные и технологические возможности, меняло вектор развития камерно-вокального репертуара. Возрастанию роли клавира в музыкальной практике способствовало серьезное улучшение качественных характеристик клавишных инструментов. Автор статьи отмечает самые существенные вехи в развитии фортепианного сопровождения к песням и романсам, рассматривает аккомпанемент как самостоятельную и самодостаточную ветвь в истории фортепианного исполнительства. Произведения Шуберта и Шумана, Дюпарка и Вольфа, Шнитке и Шостаковича становятся предметом исследования и, одновременно, яркими примерами, подтверждающими основные выводы статьи. В статье использованы сравнительно-аналитический, структурно-функциональный и культурологический методы исследования. Автор привлекает литературно-текстологический и музыкально-текстологический методы, а также опирается на фундаментальные положения общеисторической методологии научного исследования, в частности, – социокультурного, историко-хронологического, биографического. Работа со словом, с большой поэзией и литературой требовала от композиторов, работающих в жанре камерно-вокальной музыки, синтетических технологических решений, свежих пианистических и художественных приемов. Поиск, продолжавшийся несколько столетий, принес обильные творческие результаты. Новизна исследования заключается в историческом подходе к искусству фортепианного аккомпанемента, художественные явления рассматриваются на всем пятисотлетнем пути развития клавирной музыки. Конечно, в России и за рубежом история клавирного аккомпанемента в камерно-вокальной музыке изучается достаточно давно, поскольку тесно переплетена с педагогикой концертмейстерского мастерства. Автор статьи рассматривает вопросы пианистической трансформации вокального репертуара в контексте развития культуры сольного исполнительства. Именно здесь, по мнению автора, имеются научные лакуны, содержится материал для дальнейших исследований.

Ключевые слова: фортепиано, вокальная музыка, романс, песня, аккомпанемент, Шуберт, Шуман, Дюпарк, Вольф, Шостакович

Abstract: The article is dedicated to the issues of the development of piano accompaniment in chamber-vocal repertoire in the context of the five-hundred-year history of keyboard music. The clavier emerged as an alternative to the lute as an instrument more suitable and convenient for accompanying singing and dancing. The "introduction" of the clavier into choral and solo vocal music transformed the style and character of musical performance, created additional artistic and technological opportunities, and changed the vector of development of the chamber-vocal repertoire. The growing role of the clavier in musical practice was facilitated by significant improvements in the qualitative characteristics of keyboard instruments. The author of the article notes the most significant milestones in the development of piano accompaniment for songs and romances and considers accompaniment as an independent and self-sufficient line in the history of piano performance. The works of Schubert and Schumann, Duparc and Wolf, Schnittke and Shostakovich become the subject of study and at the same time vivid examples that confirm the main conclusions of the article. The article employs comparative-analytical, structural-functional, and cultural methods of research. The author utilizes literary-textual and musical-textual methods and relies on fundamental principles of general historical methodology in scientific research, in particular, sociocultural, historical-chronological, and biographical approaches. Working with words, with great poetry and literature, required composers working in the genre of chamber-vocal music to find synthetic technological solutions and fresh pianistic and artistic techniques. The search, which lasted several centuries, yielded abundant creative results. The novelty of the research lies in the historical approach to the art of piano accompaniment, with artistic phenomena examined throughout the entire five-hundred-year path of keyboard music development. In this work, the author draws on years of experience as a collaborative pianist, their lecture experience in the subject of "History of Piano Art," and the works of our outstanding scholars engaged in research in the field of chamber-vocal music. This article is only the beginning of a larger conversation about the history of piano accompaniment, which we hope will continue in further discussion. It is evident that more and more young pianists are choosing the profession of accompanist as their primary focus, writing graduation theses on this topic.

Keywords: piano, vocal music, mélodie, Lied, piano accompaniment, Schubert, Schumann, Duparc, Wolf, Shostakovich

Аннотация: Статья посвящена музыкальным произведениям на тему времен года, созданным в конце XX – начале XXI века на основе уже существующих общеизвестных шедевров на данную вечную тему. Цель исследования заключается в анализе сочинений прошлых лет в сопоставлении с новыми, обновленными опусами на тему сезонов. Предметом исследования являются музыкальные и стилевые особенности взаимодействия первоисточника и нового сочинения. Объектом исследования являются сочинения на тему времен года современных композиторов, написанных на основе шедевров прошлых эпох: А. Раскатова «Времена года. Дайджест» (2001 г.), М. Броннера «Времена года. Венок Чайковскому», М. Рихтера «The seasons. Recomposed», транскрипция цикла танго А. Пьяццоллы «Времена года в Буэнос-Айресе», созданная Л. Десятниковым (1999 г.), балет «Времена года» (2013 г.) В. Мартынова, в котором прослеживается прием стилизации и цитирования. В исследовании были применены сравнительно-аналитический метод, в результате которого автором были проанализированы новые сочинения "Времена года" на основе музыкальных первоисточников прошлых лет, а также использовались исторический и теоретический методы. Основным выводами проведенного исследования являются: обращение к музыкальным шедеврам прошлых эпох в условиях постмодернизма – явление не редкое. Композиторы воссоздают старинные жанры, формы, практики музицирования. Сам по себе музыкальный шедевр хранит непреходящие ценности, заложенные в его идею, содержание, воплощение. Он становится неким эталоном для создания новых, актуальных для своего времени произведений. В этом контексте, вечная тема времен года гармонично вписалась в новую культурную парадигму конца XX – начала XXI века. Бессмертные шедевры А. Вивальди, П. Чайковского, А. Пьяццоллы получили новую жизнь в условиях современного композиторского и исполнительского искусства. Научная новизна исследования состоит в том, что некоторые из названных сочинений впервые анализируются в контексте диалога разных столетий.

Ключевые слова: вечная тема, Времена года, реинтерпретация, рекомпозиция, транскрипция, стилизация, постмодернизм, музыкальный шедевр, музыкальная рефлексия, диалог эпох

Abstract: The article is devoted to musical works on the theme of the seasons, created in the late XX – early XXI century on the basis of already existing well-known masterpieces on this eternal theme. The purpose of the study is to analyze the writings of previous years in comparison with new, updated works on the theme of the seasons. The subject of the study is the musical and stylistic features of the interaction of the original source and the new composition. The object of the research is the compositions on the theme of the seasons by modern composers, written on the basis of masterpieces of past eras: A. Raskatova «The Seasons. Digest», M. Bronner's «The Seasons. A wreath to Tchaikovsky», M. Richter «The seasons. Recomposed», transcription of A. Piazzolla's tango cycle «The Seasons in Buenos Aires», created by L. Desyatnikov, ballet «The Seasons» by V. Martynov, which traces the technique of stylization and quoting. The study used a comparative analytical, historical and theoretical methods. The main conclusions of the study are: the appeal to musical masterpieces of past eras in the context of postmodernism is not a rare phenomenon. Composers recreate ancient genres, music-making practices. A musical masterpiece preserves the enduring values inherent in its idea. He becomes a kind of standard for creating new, relevant works for his time. In this context, the eternal theme of the seasons harmoniously fit into the new cultural paradigm of the late XX – early XXI century. The immortal masterpieces of A. Vivaldi, P. Tchaikovsky, A. Piazzolla have received a new life in the conditions of modern composing and performing arts. The scientific novelty of the research lies in the fact that some of these works are analyzed for the first time in the context of a dialogue between different centuries.

Keywords: eternal theme, The seasons, reinterpretation, recomposition, transcription, stylization, postmodernism, musical masterpiece, musical reflection, dialogue of the epochs

Аннотация: В статье предлагается термин «новый дилетантизм», определяющий одну из доминирующих стратегий музыки последних десятилетий: он проявляется в использовании усредненных, общеупотребительных, предсказуемых интонаций, поэтике незначительного, предпочтении медленного и тихого быстрому и громкому, идее «несовершенного опуса», наконец, в размывание границы между «профессиональным» и «непрофессиональным». «Новый дилетантизм» является одной из граней музыкального метамодерна – направления, предлагающего простоту вместо сложности, работу с «банальным» материалом вместо поисков индивидуального композиторского языка, смысловую осцилляцию вместо техникоцентризма. В поле «нового дилетантизма» в широком смысле могут быть вписаны такие явления как музыка и воззрения Мортона Фелдмана, открыто критиковавшего сложным образом устроенную музыку, группа «Вандельвайзер», привнесшая в академическую музыку тихие звучности, не скреплённые формальной идеей, а также радикально упрощенные по своему языку произведения русских композиторов Сергея Загния и Кирилла Широкова. Для выведения общих закономерностей, позволяющих говорить о новом дилетантизме, применяется культурно-исторический метод и метод целостного анализа: каждое из упомянутых произведений рассматривается в самом широком культурологическом контексте. Основными выводами проведенного исследования являются следующие положения: тенденции метамодернистского искусства последних десятилетий позволяют говорить о "новом дилетантизме" как важнейшей творческой стратегии; "новый дилетантизм" в самом широком смысле противостоит "техникоцентризму", характерному для музыки второй половины ХХ века; произведения "нового дилетантизма" апеллируют к "детскому", "слабому" и "банальному" материалу, противопоставляя его "хорошо проработанному", "сложному", "совершенному" материалу эпохи второго авангарда. Очевидно, что в оптике "нового дилетантизма" могут быть описанные такие опусы как "Десять маршей, не ведущих к победе" Маурисио Кагеля, "Упражнения по слабости" Юрия Ханона, "Berge.traume" Клауса Ланга, "everyday melodies" Кирилла Широкова и ряд других. Генезис "нового дилетантизма" можно проследить в творчестве Нортона Фелдмана, Эрика Сати и даже Ференца Листа ("Серые облака").

Ключевые слова: новый дилетантизм, новая музыка, банальный материал, метамодерн, несовершенный опус, слабый стиль, поэтика незначительного, Фелдман, Загний, Широков

Abstract: The article proposes the term «new dilettantism», which defines one of the dominant strategies in music of recent decades: it manifests itself in the use of average, commonly used, predicable intonations, the poetics of the insignificant, the preference for the slow and quiet over the fast and loud, the idea of an «imperfect opus», and finally, in the erosion boundaries between «professional» and «non-professional». «New dilettantism» is one of the facets of musical metamodernism – a direction that offers simplicity instead of complexity, work with «banal» material instead of searching an individual composer’s language, semantic oscillation instead of technical centrism. In the broad sense, the field of «new dilettantism» can include such phenomena as the music and views of Morton Feldman, who openly criticized complex music, the Wandelweiser group, which introduced quiet sonorities into academic music, not held together by a formal idea, as well as radically simplified works of Russian composers Sergei Zagniy and Kirill Shirokov in their own language. To derive general patterns that allow us to talk about new amateurism, the cultural-historical method and the method of holistic analysis are used: each of the mentioned works is considered in the broadest cultural context.The main conclusions of the study are the following: the trends of metamodern art of recent decades allow us to speak of “new amateurism” (new dilettantism), as the most important creative strategy; “new amateurism” (new dilettantism), in the broadest sense is opposed to the “technocentrism” characteristic of music in the second half of the twentieth century; works of the “new amateurism” appeal to “childish”, “weak” and “banal” material, contrasting it with the “well-developed”, “complex”, “perfect” material of the era of the second avant-garde.

Keywords: new dilettantism, new music, banal material, metamodern, imperfect opus, weak style, poetics of the insignificant, Feldman, Zagny, Shirokov

Аннотация: Статья посвящена одному из важнейших отечественных камерно-вокальных циклов второй половины ХХ века – «Русской тетради» В. Гаврилина. Ее появление в 1965 году произвело сильнейшее впечатление и на музыкальную общественность, и на слушателей. В ней все было необычно, свежо, искренне. Стилевое единство «Русской тетради» обусловлено опорой на народные источники – литературные тексты и музыкальный материал. Гаврилин интерпретировал народную музыку глубоко личностно, преломил сквозь призму мощной духовно-нравственной концепции, обозначил новые направления ее исследования и осмысления, предложил многозначные трактовки, неожиданные синтезы. «Русская тетрадь» стала важнейшей составляющей значительного художественного направления «новая фольклорная волна», появившегося в отечественной музыке на рубеже 1960-х годов. Его ярчайшими представителями были композиторы-«шестидесятники» Р. Щедрин, Э. Денисов, Б. Тищенко, С. Слонимский. В статье использованы следующие методы научного познания: сравнительно-аналитический, структурно-функциональный, культурологический. Автор статьи привлекает к анализу литературно-текстологический и музыкально-текстологический методы, опирается на фундаментальные положения общеисторической методологии, в частности, – социокультурной, историко-хронологической, биографической. Основным выводом проведенного исследования становится мысль о том, что «Русская тетрадь» В. Гаврилина – подлинная энциклопедия народных жанров. Композитор глубоко проникает в народно-песенную традицию, органично преломляет фольклор, пропускает его через свой удивительный художественный мир, тем самым делая фольклорный язык доступным для широкой публики. Автор статьи делает акцент на исполнительских аспектах цикла В. Гаврилина, на многообразии интерпретационных возможностей, идущих от многообразия народной (прежде всего – крестьянской) песни. Вокалисту и аккомпаниатору-пианисту необходимо серьезно изучить народную традиции, прежде чем браться за «Русскую тетрадь». Напряженная драматургия цикла, театрализация вокальной музыки также должна быть в центре внимания исполнителей. Сочинение В. Гаврилина открывает новые интерпретационные пути и возможности, новые вокальные техники, создает многозадачный исполнительский мир.

Ключевые слова: Валерий Гаврилин, Вокальный цикл, Отечественная музыка, Новая фольклорная волна, Народное искусство, Фольклорные жанры, Крестьянская песня, Меццо-сопрано, Авангард, Фортепиано

Abstract: The article is devoted to one of the most important Russian chamber vocal cycles of the second half of the twentieth century – “Russian Notebook” by V. Gavrilin. Its appearance in 1965 made a strong impression on both the musical community and listeners. Everything about her was unusual, fresh, sincere. The stylistic unity of the “Russian Notebook” is due to its reliance on folk sources – literary texts and musical material. Gavrilin interpreted folk music in a deeply personal way, refracted it through the prism of a powerful spiritual and moral concept, outlined new directions for its research and comprehension, and proposed multi-valued interpretations and unexpected syntheses. “Russian Notebook” became the most important component of the significant artistic movement “new folk wave” that appeared in Russian music at the turn of the 1960s. Its brightest representatives were the “sixties” composers R. Shchedrin, E. Denisov, B. Tishchenko, S. Slonimsky. The main conclusion of the study is the idea that V. Gavrilin’s “Russian Notebook” is a genuine encyclopedia of folk genres. The composer penetrates deeply into the folk song tradition, organically refracts folklore, passes it through his amazing artistic world, thereby making the folklore language accessible to the general public. The author of the article focuses on the performing aspects of V. Gavrilin’s cycle, on the variety of interpretive possibilities coming from the diversity of folk (primarily peasant) song. The vocalist and accompanist-pianist need to seriously study the folk traditions before taking on the “Russian Notebook”. The intense dramaturgy of the cycle and the theatricalization of vocal music should also be the focus of the performers’ attention. V. Gavrilin’s composition opens up new interpretive paths and possibilities, new vocal techniques, and creates a multi-tasking performing world.

Keywords: Valery Gavrilin, Vocal cycle, Russian music, New folk wave, Folk art, Folklore genres, Peasant song, Mezzo-soprano, Vanguard, Piano

Аннотация: В процессе становления китайской профессиональной музыки в ХХ веке одной из важнейших задач, которые ставились перед музыкантами, было создание произведений в разных жанрах. Освоение китайскими композиторами европейских полифонических жанров, форм и приемов происходило в тесной связи с изучением истории полифонии и анализом особенностей полифонического письма выдающихся композиторов прошлых веков. Изучение творчества И. С. Баха лежит в основе обучения как исполнителей-пианистов, так и композиторов. Целью исследования в статье является обнаружение в выбранных произведениях китайских композиторов примеров взаимодействия полифонических жанров и приёмов, сложившихся в клавирных произведениях Баха, с особенностями национального музыкального стиля. В статье анализируются произведения: инвенция "Глубокой ночью" Чжу Шируя, фуга № 8 на тему фуги из ХТК Баха и Пассакалия-фуга № 24 из цикла "24 фуги" Ю Сусянь.   Автор статьи опирается на положения, выработанные в трудах российских и китайских ученых по проблемам полифонии В. Протопопова, И. Кузнецова, Чэнь Минчжи и других. В статье использован комплекс методов, направленных на изучение особенностей освоения творчества Баха китайскими музыкантами, трактовку жанров инвенции, фуги, пассакалии в произведениях китайских композиторов. На основе изучения трудов китайских учёных и анализа произведений в жанрах инвенции, фуги на тему Баха в составе большого полифонического цикла, пассакалии сделан вывод об уникальности образцов китайской полифонии и своеобразной трактовке баховских традиций в китайской фортепианной музыке, идущей от столкновения разных культурно-эстетических представлений китайцев и европейцев. В рассмотренных произведениях формы, сложившиеся в западноевропейской барочной музыке, наполняются новым содержанием, а присущие китайской традиционной музыке средства выразительности адаптируются к строгим полифоническим канонам. Определяющими в рассмотренных произведениях являются сочетание диатоники и ангемитоновой пентатоники, комплементарной ритмики и ритмических фигур, характерных для китайской традиционной пекинской оперы, смешение полифонического и гармонического фактурных типов.

Ключевые слова: китайская музыка, китайская полифония, Чэнь Минчжи, Чжу Шируй, Ю Сусянь, инвенция, фуга, пассакалия, Иоганн Себастьян Бах, большой полифонический цикл

Abstract: During the formation of Chinese professional music in the twentieth century, one of the most important tasks that musicians faced was the creation of a repertoire in various genres. The development of European polyphonic genres, forms and techniques by Chinese composers took place in close connection with the study of the history of polyphony and the analysis of the features of polyphonic writing by outstanding composers of the past centuries. The study of J. S. Bach's work is the basis for the training of both piano performers and composers. The purpose of the research in the article is to discover the methods of interaction of polyphonic genres and techniques developed in Bach's keyboard works with the peculiarities of the national musical style. The article analyzes the works: the invention "Deep at Night" by Zhu Shi, fugue No. 8 on the theme of fugue from Bach's HTK and Passacaglia-fugue No. 24 from the cycle "24 fugues" by Yu Xuxian. The author of the article relies on the provisions developed in the works of Russian and Chinese scientists on the problems of polyphony V. Protopopov, I. Kuznetsov, Chen Mingzhi and others. The article uses a set of methods aimed at studying the peculiarities of mastering Bach's work by Chinese musicians, the interpretation of the genres of invention, fugue, passacaglia in the works of Chinese composers. Based on the study of the works of Chinese scientists and the analysis of works in the genres of invention, fugue on the theme of Bach as part of a large polyphonic cycle, passacaglia, a conclusion is made about the uniqueness of samples of Chinese polyphony and a peculiar interpretation of Bach traditions in Chinese piano music, coming from the collision of different cultural and aesthetic ideas of the Chinese and Europeans. In the considered works, the forms that have developed in Western European Baroque music are filled with new content, and the means of expression inherent in Chinese traditional music are adapted to strict polyphonic canons. The combination of diatonics and angemitonic pentatonics, complementary rhythmics and rhythmic figures characteristic of Chinese traditional Peking opera, a mixture of polyphonic and harmonic texture types are decisive in the considered works.

Keywords: Chinese music, Chinese polyphony, Chen Mingzhi, Zhu Shirui, Yu Suxian, invention, fugue, passacaglia, Johann Sebastian Bach, large poliphonic cycle

Аннотация: Предметом исследования является камерно-вокальное творчество советских композиторов 1960–1970-х годов, произведения безусловных лидеров молодого послевоенного поколения музыкантов-«шестидесятников». Автор статьи изучает неофольклорные поиски и эксперименты Р. Щедрина, Б. Тищенко, С. Слонимского, В. Гаврилина, Э. Денисова, которые стали важнейшей составляющей значительного художественного направления «новая фольклорная волна». В эти годы случилось своеобразное накопление выдающихся сочинений-образцов, поражающих самобытностью и яркостью, новыми техниками записи, предельно добросовестным отношением авторов к оригинальным материалам, собранным в консерваторских фольклорных экспедициях. На рубеже 1960-х годов камерно-вокальный цикл вышел на ведущие роли в творчестве многих советских композиторов и отечественной музыки в целом. Вокальные сочинения, со свойственной им универсальностью, способные к гибким модификациям оказались благодатной сферой приложения творческих усилий музыкантов разных поколений.  В статье использованы следующие методы научного исследования: сравнительно-аналитический, структурно-функциональный, а также культурологический метод. Автор статьи привлекает к исследованию литературно-текстологический и музыкально-текстологический методы, а также опирается на фундаментальные положения общеисторической методологии, в частности, — социокультурной, историко-хронологической, биографической. Основным выводом проведенного исследования становится мысль о том, что у камерно-вокальных сочинений «новой фольклорной волны» — «женское лицо», так как большая часть из них написана для исполнения женскими голосами. Народная мелодика и ритмика, живая интонационная среда, непосредственная эмоциональность фольклора стали не только своеобразным «противовесом» изощренным авангардным техникам в музыке второй половины ХХ века, но важнейшей составляющей композиторского языка и даже мышления, а подчас и главной опорой творческого высказывания. Автор впервые глубоко и полно исследует «женский» вокальный цикл 1960–1970-х годов, те сочинения, что связаны с уникальным и мощным художественным направлением «новая фольклорная волна», явлением, находившемся на передовой коренного обновления отечественной музыки второй половины ХХ века.

Ключевые слова: Вокальный цикл, Отечественная музыка, Новая фольклорная волна, Родион Щедрин, Борис Тищенко, Валерий Гаврилин, Сергей Слонимский, Эдисон Денисов, Авангард, Фортепиано

Abstract: The subject of the study is the chamber and vocal work of Soviet composers of the 1960s–1970s, the works of the undisputed leaders of the young post-war generation of musicians from the “sixties”. The author of the article studies the neo-folklore searches and experiments of R. Shchedrin, B. Tishchenko, S. Slonimsky, V. Gavrilin, E. Denisov, which became the most important component of the significant artistic movement “new folklore wave”. During these years, there was a peculiar accumulation of outstanding sample compositions, striking in their originality and brightness, new recording techniques, and the authors’ extremely conscientious attitude towards original materials collected in conservatory folklore expeditions. At the turn of the 1960s, the chamber-vocal cycle took leading roles in the work of many Soviet composers and Russian music in general. Vocal compositions, with their inherent versatility, capable of flexible modifications, turned out to be a fertile area for the creative efforts of musicians of different generations. The article uses the following scientific research methods: comparative analytical, structural and functional, as well as cultural method. The author of the article uses literary-textual and musical-textual methods for research, and also relies on the fundamental provisions of general historical methodology, in particular, sociocultural, historical-chronological, and biographical. The main conclusion of the study is the idea that the chamber-vocal works of the “new folklore wave” have a “female face”, since most of them were written for performance by female voices. Folk melody and rhythm, a lively intonation environment, the direct emotionality of folklore became not only a kind of “counterweight” to sophisticated avant-garde techniques in the music of the second half of the twentieth century, but the most important component of the composer’s language and even thinking, and sometimes the main support of creative expression. The author for the first time deeply and fully explores the “female” vocal cycle of the 1960s–1970s, those works that are associated with the unique and powerful artistic movement “new folk wave,” a phenomenon that was at the forefront of the radical renewal of Russian music in the second half of the twentieth century.

Keywords: Vocal cycle, Domestic music, New folk wave, Rodion Shchedrin, Boris Tishchenko, Valery Gavrilin, Sergey Slonimsky, Edison Denisov, Vanguard, Piano

Аннотация: Статья посвящена изучению проблем адаптации произведений академической традиции к условиям военной практики XX века. Создание адаптированных вариантов известных произведений классической музыки отечественных и зарубежных композиторов, предназначенных для исполнения в условиях воинских церемониалов, плац-концертов, фестивалей и конкурсов, значительно расширило область распространения сферы академической музыкальной культуры. В статье объектом исследования стала академическая музыка отечественных композиторов в репертуаре военных оркестров. Предметом работы является аранжировка Е. П. Макарова финального хора «Славься» из оперы М. И. Глинки «Жизнь за царя» («Иван Сусанин»). Цель работы заключается в исследовании изменений, внесенные Макаровым в произведение Глинки, и их влияние на восприятие «Славься» в контексте Парада Победы 1945 года. Исследование аранжировок хора «Славься», адаптированных к исполнению военными оркестрами потребовало использование общенаучных и специальных методов. Для изучения материалов, связанных с деятельности отечественных военных музыкантов, применялись методы источниковедения и текстологии, культурно-исторический и сравнительный. Научная новизна работы определяется тем, что в ней впервые дается подробный сравнительный анализ партитур Глинки и обработки Макарова, позволивший выявить принципы адаптации произведений академической музыки для исполнения в условиях воинских ритуалов. Изучение проблематики, затронутой в исследовании позволяет разработать оригинальная концепция становления и развития аранжировочной деятельности военных дирижеров, рассмотренную в контексте смены культурных парадигм XIX – начала XXI века. В заключении статьи автором отмечается, что сравнительный анализ партитур Глинки и Макарова показал, что Макаров не просто сократил произведение, но и переосмыслил его, создав новую музыкальную форму, соответствующую воинскому ритуалу. В результате этих изменений «Славься» превратился в лаконичный и динамичный марш, ставший символом патриотизма и силы русского народа.

Ключевые слова: военная музыка, военный оркестр, Парад Победы, аранжировка, патриотизм, национальное единство, военный ритуал, сравнительный анализ, мероприятие, военный дирижер

Abstract: The article is devoted to the study of the problems of adapting the works of the academic tradition to the conditions of military practice of the XX century. The creation of adapted versions of famous works of classical music by domestic and foreign composers intended for performance in conditions of military ceremonies, parade grounds concerts, festivals and competitions has significantly expanded the scope of the sphere of academic musical culture. The article focuses on the academic music of Russian composers in the repertoire of military orchestras. The subject of the work is E. P. Makarov's arrangement of the final chorus "Hail" from M. I. Glinka's opera "Life for the Tsar" ("Ivan Susanin"). The purpose of the work is to study the changes Makarov made to Glinka's work and their impact on the perception of "Glory" in the context of the 1945 Victory Day Parade. The study of the arrangements of the "Glory" choir, adapted to performance by military orchestras, required the use of general scientific and special methods. To study the materials related to the activities of Russian military musicians, the methods of source studies and textual criticism, cultural-historical and comparative were used. The scientific novelty of the work is determined by the fact that for the first time it provides a detailed comparative analysis of Glinka's scores and Makarov's processing, which made it possible to identify the principles of adapting works of academic music for performance in conditions of military rituals. The study of the issues raised in the study allows us to develop an original concept of the formation and development of the arranging activities of military conductors, considered in the context of the change of cultural paradigms of the XIX – early XXI century. In conclusion, the author notes that a comparative analysis of the scores of Glinka and Makarov showed that Makarov not only shortened the work, but also rethought it, creating a new musical form corresponding to the military ritual. As a result of these changes, "Hail" turned into a concise and dynamic march that became a symbol of patriotism and the strength of the Russian people.

Keywords: military music, military band, Victory Parade, arrangement, patriotism, national unity, military ritual, comparative analysis, event, military conductor

Аннотация: Жанр струнного квартета занимает важное место в истории отечественной и западноевропейской музыки. Его формирование начинается в творчестве Моцарта, Гайдна и Бетховена и проходит революционный путь от «приятной музыки для дилетантов» до серьёзного жанра, «рассчитанного на знатоков и профессионалов». В статье исследуется жанр струнного квартета на примере творчества Бетховена и Шостаковича в аспекте интонационных и тематических связей, а также параллелей творчества. Автор приводит примеры тематического, интервального, интонационного и фактурно-мелодического цитирования сочинений Бетховена в квартетах Шостаковича. Выявляется взаимосвязь Бетховена с русской культурой, в частности, в отношении работы с материалом русских песен в квартетах, написанных по заказу графа Разумовского. Раскрывается тяготение Шостаковича к творчеству Бетховена, близость его композиторского стиля и идей в отношении концептуальности, архитектоники, использовании музыкально-выразительных средств и склонности к динамическому натиску.  Методология исследования основана на анализе исторических материалов, музыкальных статей, концепций выдающихся историков и теоретиков музыки. Материалом стали партитуры струнных квартетов двух выдающихся авторов - Бетховена и Шостаковича. Основными выводами данного исследования является выявление тематических и смысловых связей между квартетами Бетховена и Шостаковича. Автор делает вывод о том, что Шостакович часто обращался к творчеству Бетховена, использовал его методы и приемы работы с материалом, структуру цикла, включал в свои квартеты аллюзии на темы, интонации и даже использовал целые фактурные отрывки из музыки Бетховена – и все это он преломлял через призму своего творческого стиля. Новизна статьи заключается в выявлении связи творчества Бетховена с русской музыкой, использование композитором мелодий русских песен в «Русских квартетах», а также интонационно-тематические параллели между квартетами Бетховена и Шостаковича. Кроме того, в статье раскрывается особая роль исполнителя в работе над квартетом как у Бетховена, так и у Шостаковича – этим подчеркивается сходство творческого процесса двух авторов – представителей разных эпох.

Ключевые слова: Бетховен, Шостакович, струнный квартет, жанр, тематические связи, смысловые параллели, камерное исполнительство, русский квартет, Квартет имени Бетховена, квартет имени Бородина

Abstract: The article explores the genre of string quartet on the example of Beethoven and Shostakovich in the aspect of intonation and thematic connections, as well as the parallels of creativity of both composers. The author gives examples of thematic, interval, intonation and textural-melodic quoting of Beethoven's works in Shostakovich's quartets. Russian culture and Beethoven's influence is revealed, in particular, in relation to working with the material of Russian songs in quartets written by order of Count Razumovsky. The author reveals Shostakovich's attraction to Beethoven's work, the closeness of his compositional style and ideas in terms of conceptuality, architectonics, the use of musical and expressive means and a tendency to dynamic onslaught. The methodology of the research is based on the analysis of historical materials, musical articles, concepts of outstanding historians and music theorists. The main contribution of this study is the identification of thematic and semantic connections between the quartets of Beethoven and Shostakovich. The author concludes that Shostakovich often turned to Beethoven's work, used his methods and techniques of working with the material, the structure of the cycle, included allusions to themes, intonations in his quartets, and even used whole textured excerpts from Beethoven's music – and he made it through the prism of his creative style. The novelty of the article lies in the identification of the connection between Beethoven's work and Russian music, the composer's use of melodies of Russian songs in "Russian Quartets", as well as intonation-thematic parallels between the quartets of Beethoven and Shostakovich. In addition, the article reveals the special role of the performer in the work on the quartet of both Beethoven and Shostakovich.

Keywords: Beethoven, Shostakovich, string quartet, genre, thematic connections, semantic parallels, chamber performance, Russian quartet, Beethoven Quartet, Borodin Quartet

Аннотация: Изучение истории любого музыкального жанра подразумевает детальную его характеристику в определенные исторические эпохи, связанные с изменением художественных и общественных ориентиров. Такой обособленной эпохой является XIX век – век романтизма, время модификации ряда известных музыкальных жанров. Подобной трансформации в указанное время подвергается и жанр фортепианного дуэта. Предметом исследования в данной статье становится специфика бытования фортепианного дуэта в условиях значительного переосмысления семантико-стилистического тезауруса музыкального искусства в целом, произошедшего в XIX веке. Акцентируется, что жанр не только меняет специфику своего исполнения (осуществляется постепенный переход к концертной эстраде), но и подвергается внутренне-стилистическим преобразованиям. Впервые в музыкознании уделено внимание причинам распространения жанра в XIX столетии, создана классификация дуэтных сочинений (концертного и камерного типов), рассматриваются особенности содержания, формы, фактуры, темпа, исполнительских приемов, характеризующих фортепианный дуэт в указанное время, а также названы причины модификации его жанровых признаков. В качестве примеров представлены произведения С. Геллера, Э. Грига, Л.М. Готшалка, К. Рейнеке и ряда других композиторов. В качестве вывода отмечены причины неравнозначности дуэтных сочинений XIX века в художественном отношении.

Ключевые слова: фортепианный дуэт, XIX век, музыкальный жанр, музыковедение, стиль жанра, искусствоведение, история музыки, теория жанра, камерная музыка, ансамбль

Abstract: The study of the history of any musical genre implies its detailed characterization in certain historical epochs associated with changes in artistic and social orientations. Such a separate epoch is the XIX century – the age of Romanticism, the time of modification of a number of well-known musical genres. The genre of the piano duet is undergoing a similar transformation at the specified time. The subject of research in this article is the specifics of the existence of a piano duet in the context of a significant rethinking of the semantic and stylistic thesaurus of musical art in general, which occurred in the XIX century. It is emphasized that the genre not only changes the specifics of its performance (there is a gradual transition to the concert stage), but also undergoes internal stylistic transformations. For the first time in musicology, attention is paid to the reasons for the spread of the genre in the XIX century, a classification of duet compositions (concert and chamber types) is created, the features of the content, form, texture, tempo, performing techniques characterizing a piano duet at a specified time are considered, and the reasons for the modification of its genre features are also named. The works of S. Geller, E. Grieg, L.M. Gottschalk, K. Reinecke and a number of other composers are presented as examples. As a conclusion, the reasons for the disparity of duet compositions of the XIX century in artistic terms are noted.

Keywords: piano duet, 19th century, musical genre, musicology, genre style, art criticism, history of music, genre theory, chamber music, ensemble

Аннотация: Предмет исследования – фортепианные сочинения современных китайских композиторов Сун Миньчжу (триптих «Музыкальная сюита Сычуаньской оперы») и Цзя Дацюня (миниатюра «Чуаньцян» из цикла «Три прелюдии для фортепиано»), написанные под влиянием традиций сычуаньской оперы чуаньцзюй. Уникальная многосоставность истоков Южной китайской драмы предопределила своеобразие типовых напевов цюйпай и их ладовую окраску, стиль пения в высоком регистре, особенности сценического действия, тембровый состав аккомпанирующего ансамбля ударных инструментов ин чанмянь. Цель исследования состоит в изучении специфики преломления традиций сычуаньской оперы в современном фортепианном репертуаре. Методология исследования: сравнительно-типологический и аналитический методы позволяют обосновать уникальность избранных фортепианных миниатюр, обусловленную воздействием стилистики чуаньцзюй. Фортепианные сочинения Сун Миньчжу (триптих «Музыкальная сюита Сычуаньской оперы») и Цзя Дацюня (миниатюра «Чуаньцян» из цикла «Три прелюдии для фортепиано») рассматриваются в отечественном музыкознании впервые. Основные выводы исследования заключаются в следующем. Стилевые особенности традиционной оперы Сычуани проявили себя в фортепианных пьесах Сун Миньчжу и Цзя Дацюня на разных уровнях: на уровне цитирования типовых напевов гаоцян, куньцян, пихуанцян, распространенных в южном регионе страны; на уровне ладовой организации напевов, связанных с пентатоникой и гептатоникой (лады чжэншэн и циншан); на уровне имитации на фортепиано тембров струнных и ударных инструментов оперы чуаньцзюй (скрипки хуцинь, гайбаньцзы, трещотки банцзы, гонгов и барабанов); на уровне фактурной организации, обусловленной взаимодействием солиста и хора в опере чуаньцзюй гаоцян.

Ключевые слова: сычуаньская опера, чуаньцзюй, Сун Миньчжу, Цзя Дацюнь, современная китайская музыка, китайская музыкальная культура, китайская фортепианная музыка, чуаньцзюй гаоцян, чуаньцзюй куньцян, чуаньцзюй танси

Abstract: The subject of the study is the piano compositions by contemporary Chinese composers Song Minzhu (triptych "Musical Suite of the Sichuan Opera") and Jia Daqun (miniature of "Chuanqiang" from the cycle "Three Preludes for Piano"), written under the influence of the traditions of the Sichuan opera chuanju. The unique multi-composition of the origins of the South Chinese drama predetermined the originality of the typical quipai tunes and their modal coloring, the style of singing in a high register, the features of the stage action, the timbre composition of the accompanying percussion ensemble. The purpose of the article is to study the specifics of the refraction of the traditions of Sichuan opera in the modern piano repertoire. Research methodology: comparative typological and analytical methods make it possible to substantiate the uniqueness of the selected piano miniatures, due to the influence of the chuanju style. Piano compositions by Song Minzhu (triptych "Musical Suite of Sichuan Opera") and Jia Daqun (miniature "Chuanqiang" from the cycle "Three Preludes for Piano") are considered in Russian musicology for the first time. The main conclusions of the study are as follows. The stylistic features of the traditional Sichuan opera manifested themselves in the piano pieces of Song Minzhu and Jia Daqun at different levels: at the level of quoting typical tunes of gaoqiang, kunqiang, pihuanqiang, common in the southern region of the country; at the level of modal organization of tunes associated with pentatonic and heptatonic (zhengsheng and qingshang modes); at the level of imitation on the piano of the timbres of string and percussion instruments of the chuanju opera (violins huqin, gaibanzi, banzi rattles, gongs and drums); at the level of textural organization, due to the interaction of the soloist and the choir in the opera chuanju gaoqiang.

Keywords: Sichuan opera, Chuanju, Song Minzhu, Jia Daqun, contemporary Chinese music, Chinese musical culture, Chinese piano music, Chuanju gaoqiang, Chuanju kunqiang, Chuanju tangxi

Аннотация: Объектом исследования данной статьи является финская музыкальная культура. Предметом исследования – жизнь и творчество композитора, педагога, дирижера и просветителя Эркки Мелартина (1875-1937). Цель статьи: воссоздание личностного и творческого портрета Э. Мелартина как одного из выдающихся музыкантов Финляндии первой половины ХХ века. Автор подробно рассматривает биографию композитора в тесной взаимосвязи со всеми видами его деятельности, дает характеристику основных направлений композиторского творчества. Особое внимание автора уделено административной деятельности Э. Мелартина как руководителя Гельсингфорсского музыкального института (ныне – Академии имени Сибелиуса), его дирижерской и педагогической работе. Основные выводы исследования: Эркки Мелартин внес колоссальный вклад в развитие культуры и музыкального профессионального образования в Финляндии; его внушительное композиторское наследие (при множестве влияний других композиторов и фольклора Карелии) имеет яркие и самобытные черты; Э. Мелартин является автором первой национальной оперы ("Айно") и первого масштабного национального балета ("Голубая жемчужина"). Среди его учеников: Аарре Мериканто, Юрьё Килпинен, Вяйне Райтио, Илмари Ханникайнен, Ууно Клами, Сулхо Ранта и Хельви Лейвиска – те, кто в дальнейшем составили цвет финской композиторской школы ХХ века. В статье впервые в отечественном музыкознании публикуются подробные сведения о жизни, творчестве и общественной деятельности композитора.

Ключевые слова: Эркки Мелартин, Гельсингфорсский музыкальный институт, Финская музыка, Финская музыкальная культура, Академия имени Сибелиуса, Финское музыкальное образование, опера Айно, балет Голубая жемчужина, Выборгские друзья музыки, Мартин Вегелиус

Abstract: The research object of this article is Finnish musical culture. The subject of the study is the life and work of composer, teacher, conductor, and educator Erkki Melartin (1875–1937). The purpose of the article is to recreate the personal and creative portrait of Melartin as one of Finland’s most outstanding musicians during the first half of the twentieth century. The author examines in detail the composer's biography in close connection with all types of his activities and describes the main directions of the composer's creativity. The author pays special attention to Melartin's administrative activities as the head of the Helsinki Music Institute (now the Sibelius Academy), his conducting, and his pedagogical work. The main conclusions of the study are that Erkki Melartin made a tremendous contribution to the development of culture and musical professional education in Finland; his impressive compositional heritage (with many influences of other composers and Karelia folklore) has bright and distinctive features; Melartin is the author of the first national opera (Aino) and the first large-scale national ballet (Blue Pearl). Among his students: Aarre Merikanto, Yrjö Kilpinen, Vyane Raitio, Ilmari Hannikainen, Uuno Klami, Sukho Ranta, and Helvi Leiviskä —those who later formed the elite of the Finnish School of Composition in the twentieth century. The article, a first in Russian musicology, publishes detailed information about the composer's life, work, and social activities. The main conclusions of the study: Erkki Melartin made a tremendous contribution to the development of culture and musical professional education in Finland; his impressive compositional heritage (with many influences of other composers and folklore of Karelia) has bright and distinctive features; E. Melartin is the author of the first national opera ("Aino") and the first large-scale national ballet ("Blue Pearl"). Among his students: Aarre Merikanto, Jurje Kilpinen, Vyane Raitio, Ilmari Hannikainen, Uuno Klami, Sulho Ranta and Helvi Leiviska – those who later formed the elite of the Finnish school of composition of the twentieth century. The article for the first time in Russian musicology publishes detailed information about the life, work and social activities of the composer.

Keywords: Erkki Melartin, Helsingfors Institute of Music, Finnish music, Finnish musical culture, Sibelius Academy, Finnish music education, opera Aino, ballet Blue Pearl, Vyborg friends of music, Martin Vegelius

Аннотация: Предметом исследования в данной статье становится Тринадцатая симфония Дмитрия Шостаковича – одно из монументальнейших симфонических полотен ХХ столетия, отразивших по своей сути хронику исторических перипетий, происходивших в Советском Союзе. После ряда компромиссных сочинений конца 40-х – 50-х гг., вынужденно написанных («Песни о лесах», Одиннадцатой симфоний, многочисленных миниатюр), Тринадцатая симфония произвела фурор в музыкальных и околомузыкальных кругах, поскольку многие восприняли ее под углом полемики со сталинским режимом. Внимание читателя акцентируется на том, что в ней композитор прибегает к завуалированной полемике с действующей властью, а образный мир симфонии являет собой непосредственную реакцию Шостаковича не только на события, которым посвящен опус («Бабий Яр», слова Е. Евтушенко), но и на окружающую его действительность. Смысловые контексты произведения рассматриваются сквозь призму биографических данных о композиторе, вследствие чего привлекается широкий документально-исторический аппарат - воспоминания коллег и современников Шостаковича, его собственные высказывания, адресованные как рассматриваемой симфонии, так и широкому историко-культурологическому контексту эпохи. Именно в широком контекстуальном подходе видится научная новизна статьи. Помимо этого, в статье представлен аналитический материал, позволяющий более глубоко понять суть произведения в целом и причины, по которым симфония в свое время была запрещена.

Ключевые слова: искусствоведение, музыковедение, философия музыки, теория музыки, музыкальное искусство, содержание искусства, Тринадцатая симфония, Шостакович, музыка ХХ века, музыка и история

Abstract: The research subject of this article is Dmitri Shostakovich's “Thirteenth Symphony”—one of the most monumental symphonic canvases of the twentieth century, reflecting in its essence the chronicle of historical vicissitudes that took place in the Soviet Union. After a number of compromised compositions in the late 1940s and 1950s, forcibly written ("Songs about Forests," the Eleventh Symphony, numerous miniatures), the Thirteenth Symphony made a splash in musical and near-musical circles, as many perceived it from a polemic angle with the Stalinist regime. The reader's attention is focused on the fact that in it, the composer resorts to a veiled polemic with the current government, and the figurative world of the symphony is a direct reaction of Shostakovich not only to the events to which the opus is dedicated ("Babi Yar," the words of E. Yevtushenko) but also on the reality surrounding him. The semantic contexts of the work are examined through the prism of biographical data about the composer, as a result of which a wide documentary and historical apparatus are involved—the memoirs of Shostakovich's colleagues and contemporaries, his own statements addressed both to the symphony in question and to the broad historical and cultural context of the era. It is in the broad contextual approach that the scientific novelty of the article is seen. In addition, it presents analytical material that allows a deeper understanding of the essence of the work as a whole and the reasons why the symphony was banned at the time.

Keywords: art history, musicology, philosophy of music, theory of music, musical art, the content of art, The Thirteenth Symphony, Shostakovich, 20th-century music, music and history

Аннотация: Предметом исследования является новый «звучащий образ» фортепиано в камерно-вокальных циклах отечественных композиторов 1960–1970-х годов. Избранный ракурс – «женские» вокальные циклы, т.е., те, что должны исполняться исключительно женскими голосами. Автор рассматривает фортепианные партии в вокальных циклах Б. Тищенко, Д. Шостаковича, А. Кнайфеля, А. Шнитке, Э. Денисова, Г. Банщикова, В. Гаврилина и других отечественных мастеров, выявляет то новое, оригинальное, свежее, что на волне хрущевской «оттепели» принесли они в музыку фортепианного аккомпанемента. Прежде всего, в области фактуры, ритма, авангардных приемов исполнения, тембрально-регистровой организации музыкальной ткани.   Основным выводом проведенного исследования становится мысль о том, что плодотворный синтез достижений европейского авангарда и отечественного опыта привел к возникновению нового «звучащего образа» фортепиано в советской музыке 1960-х, который в полной мере оказался востребован и в вокальном цикле. Каждый из композиторов шел в искусстве своим, неповторимым путем, индивидуально преломлял традицию, но общая панорама музыкального искусства, камерно-вокального творчества оказалась богатой и насыщенной выдающимися достижениями. Новизна исследования заключается в том, что фортепианный аккомпанемент отечественного вокального цикла впервые подвергся отдельному и достаточно широкому анализу.

Ключевые слова: Вокальный цикл, Отечественная музыка, Фортепиано, Звучащий образ, Авангард, Русская колокольность, Дмитрий Шостакович, Борис Тищенко, Валерий Гаврилин, Альфред Шнитке

Abstract: The subject of the study is a new "sounding image" of the piano in the chamber-vocal cycles of Russian composers of the 1960s and 1970s. The chosen perspective is "female" vocal cycles, i.e., those that should be performed exclusively by female voices. The author examines the piano parts in the vocal cycles of B. Tishchenko, D. Shostakovich, A. Knaifel, A. Schnittke, E. Denisov, G. Banshchikov, V. Gavrilin and other Russian masters, reveals the new, original, fresh that they brought to the music of piano accompaniment in the wake of the Khrushchev "thaw". First of all, in the field of texture, rhythm, avant-garde performance techniques, timbral-register organization of musical fabric. The main conclusion of the study is the idea that the fruitful synthesis of the achievements of the European avant-garde and domestic experience led to the emergence of a new "sounding image" of the piano in Soviet music of the 1960s, which was fully in demand in the vocal cycle. Each of the composers followed his own unique path in art, individually refracted tradition, but the overall panorama of musical art, chamber vocal creativity turned out to be rich and saturated with outstanding achievements. The novelty of the study lies in the fact that the piano accompaniment of the Russian vocal cycle was first subjected to a separate and fairly broad analysis.

Keywords: Vocal cycle, Domestic music, Piano, Sound image, Vanguard, Russian Bells, Dmitry Shostakovich, Boris Tishchenko, Valery Gavrilin, Alfred Schittke

Аннотация: Цель данной работы - представить научный обзор исследований по дворцовой музыке династии Цин периода «золотого века» и обозначить новые аспекты изучения этого уникального феномена художественной культуры. Актуальность поднятой темы обусловлена возрастающей ролью китайской культуры в глобальных процессах культурной интеграции, когда обостряется проблема сохранения объектов традиционной нематериальной культуры (и дворцовая музыка династии Цин XVII-XVIII вв. — один из них). Автор полагает, что наличие лакун в российском музыкознании по проблемам цинской музыки долгое время было вызвано объективными трудностями в коммуникации с китайской научной общественностью и отсутствием доступа к архивам и библиотекам в связи с известными политическими событиями, как то падением империи Цин в начале ХХ века и культурной революцией 60-70-х годов, когда изучение императорской культуры не поощрялось. Тем не менее, современная открытость Поднебесной к научным контактам уже сегодня позволяет ввести в корпус российского музыкознания достижения китайской науки последних десятилетий. Перспективы исследования цинской музыкальной культуры автор видит в изучении культурно-исторического контекста в аспекте преемственности династийных традиций, в изучении архитектурных пространств звучащей музыки в аспекте их акустических особенностей, функциональном предназначении и символическом смысле, а также в продолжении источниковедческих исследований, подразумевающих постижение содержания музыкально-теоретических трудов эпохи Цин.

Ключевые слова: музыка династии Цин, дворцовая музыка, музыкально-теоретические трактаты Цин, Гугун, китайские музыкальные инструменты, Конфуций, музыка я-юэ, император Канси, император Цяньлун, ЛюйЛюй Чжэн И

Abstract: The purpose of this work is to present a scientific overview of the research on the palace music of the Qing Dynasty during the “Golden Age” and to identify new aspects of the study of this unique phenomenon of artistic culture. The relevance of the topic raised is due to the growing role of Chinese culture in the global processes of cultural integration, when the problem of preserving objects of traditional non-material culture is exacerbated (and the palace music of the Qing Dynasty of the 17th-18th centuries is one of them). The author believes that the presence of gaps in Russian musicology on the problems of Qing music for a long time was caused by objective difficulties in communication with the Chinese scientific community and the lack of access to archives and libraries in connection with well-known political events, such as the fall of the Qing Empire at the beginning of the 20th century and cultural revolution of the 60s and 70s, when the study of imperial culture was not encouraged. Nevertheless, the modern openness of the Celestial Empire to scientific contacts already today makes it possible to introduce the achievements of Chinese science of recent decades into the corpus of Russian musicology. The author sees the prospects for the study of Qing musical culture in the study of the cultural and historical context in the aspect of the continuity of dynastic traditions, in the study of the architectural spaces of sounding music in the aspect of their acoustic features, functional purpose and symbolic meaning, as well as in the continuation of source studies, which imply the comprehension of the content of musical and theoretical writings of the Qing era.

Keywords: the music of the Qing dynasty, court music, the musical-theoretical treatises of Qing, Gùgōng, Chinese musical instruments, Confucius, Yayue music, Emperor Kangxi, Emperor Qiánlóng, LÜLÜ ZHENG YI

Аннотация: Статья посвящена камерно-инструментальным произведениям одного из ярких представителей отечественной композиторской школы второй половины ХХ века Юрия Буцко, в которых многомерно и ярко воплощается его религиозно-музыкальная философия. В центре внимания – обнаружение авторского подхода к «переинтонированию» культового песнопения в ткани светского сочинения и его роли в процессах смысло- и текстообразования художественного целого. Создававшиеся композитором преимущественно в ранний период (1960 – 1970-е гг.) произведения в камерных жанрах рассматриваются как своеобразная творческая лаборатория, в которой формируются принципы диалоговой поэтики религиозного и светского начал, проявляющей себя как на концепционном уровне, так и на уровне текстуальных отношений. В результате проведенного анализа автор приходит к выводу о том, что церковная монодия в произведениях Юрия Буцко проявляет себя как динамический конструкт, музыкальная лексика и семантическое поле которого, с одной стороны, поддаются переосмыслению в процессе создания на его основе новых художественных образцов, с другой – обладают трансформирующей силой, оказывающей значительное влияние на содержательное, композиционно-драматургическое, интонационно-тематическое устройство произведения. Как на концепционном уровне, реализуемом в процессе взаимодействий таких структур, как символическая инвариантная формула сюжета о Голгофе, внешняя программа, «сюжет» цитируемого распева, так и на уровне отношений текстуальных, в камерных опусах Юрия Буцко формируется многоуровневая оригинальная система сопряжения древнерусского распева и индивидуально-авторской поэтики, которая не имеет аналогов в отечественной музыкальной культуре.

Ключевые слова: Юрий Буцко, камерная музыка, знаменный распев, отечественная музыкальная культура, религиозное, светское, композиция, взаимодействие, цитирование, авторский стиль

Abstract: The article is devoted to the chamber-instrumental works of one of the brightest representatives of the Russian school of composition of the second half of the twentieth century, Yuri Butsko, in which his religious and musical philosophy is multidimensional and vividly embodied. The focus is made on the discovery of the author's approach to the "reintoning" of the cult chant in the fabric of secular composition and its role in the processes of meaning and text formation of the artistic whole. The works created by the composer mainly in the early period (1960 – 1970s) in chamber genres are considered as a kind of creative laboratory in which the principles of dialogical poetics of religious and secular principles are formed, manifesting itself both at the conceptual level and at the level of textual relations. As a result of the analysis, the author comes to the conclusion that the church monody in the works of Yuri Butsko manifests itself as a dynamic construct, the musical vocabulary and semantic field of which, on the one hand, are amenable to reinterpretation in the process of creating new artistic samples based on it, on the other – have a transformative force that has a significant impact on the content, compositional-dramaturgical, intonation-thematic structure of the work. Both at the conceptual level, realized in the process of interactions of such structures as the symbolic invariant formula of the plot of Golgotha, the external program, the "plot" of the quoted chant, and at the level of textual relations, a multilevel original system of conjugation of Old Russian chant and individual author's poetics is formed in the chamber opuses of Yuri Butsko, which has no analogues in Russian music culture.

Keywords: Yuri Butsko, chamber music, ancient Russian chant, Russian music culture, religious, secular, composition, interaction, quotation, author's style

Аннотация: Имя Петербургского композитора Юрия Александровича Фалика известно как в России, так и за рубежом. Он создал ,большое количество сочинений в разных жанрах. Значительное внимание Фалик уделяет хоровой музыке. Его хоровое наследие представлено широким спектром жанров. Это миниатюры, хоровой концерт, поэма и хоровой цикл, православные песнопения и католическая ординарная месса. Богат и круг поэтических предпочтений композитора. Фалик обращается к стихотворениям А. С. Пушкина, М. Ю. Лермонтова, А.А. Тарковского, А.И. Солженицина, Н. А. Клюева, А.А. Ахматовой, Н.С. Гумилева и М.И. Цветаевой. В статье рассматриваются особенности претворения музыкальными средствами содержания стихотворений М. Цветаевой в хоровом концерте «Троицын день» Ю. Фалика. Отталкиваясь от фольклорных мотивов, заложенных в стихотворениях, Фалик создает стилизации, отсылающие к русским протяжным песням, частушкам, характерному для народной традиции говору. Композитор использует варьирование мелодических мотивов, ритмическое варьирование, сочетает натурально-ладовые средства и хроматику, использует такие приемы как хоровое staccato, glissando, имитацию инструментальных наигрышей, вводит остинатные пласты звучания. Установлено, что композитору удалось найти такие структурные, мелодические, ритмические приемы и музыкальные средства, которые не просто иллюстрируют содержание стихотворений, но и выявляют его новые грани.

Ключевые слова: хоровой концерт, Юрий Фалик, Троицын день, Марина Цветаева, фольклорная традиция, хоровая музыка, поэзия и музыка, хор, музыкальность поэзии, музыка XX века

Abstract: The name of the St. Petersburg composer Yuri Alexandrovich Falik is known both in Russia and abroad. He has created a large number of compositions in different genres. Falik pays considerable attention to choral music. His choral legacy is represented by a wide range of genres. These are miniatures, a choral concert, a poem and a choral cycle, Orthodox hymns and a Catholic ordinary mass. The range of the composer's poetic preferences is also rich. Falik refers to the poems of A. S. Pushkin, M. Y. Lermontov, A.A. Tarkovsky, A.I. Solzhenitsin, N. A. Klyuev, A.A. Akhmatova, N.S. Gumilev and M.I. Tsvetaeva. The article discusses the peculiarities of the implementation of the content of M. Tsvetaeva's poems by musical means in the choral concert "Trinity Day" by Yu. Falik. Starting from the folklore motifs embedded in the poems, Falik creates stylizations referring to Russian drawling songs, ditties, and the dialect characteristic of the folk tradition. The composer uses variation of melodic motifs, rhythmic variation, combines natural-fret means and chromatics, uses such techniques as choral staccato, glissando, imitation of instrumental tunes, introduces ostinate layers of sound. It is established that the composer managed to find such structural, melodic, rhythmic techniques and musical means that not only illustrate the content of the poems, but also reveal its new facets.

Keywords: choral concert, Yuri Falik, Trinity Day, Marina Tsvetaeva, folklore tradition, choral music, poetry and music, chorus, musicality of poetry, music of the XX century

Аннотация: Предметом исследования является симфоническое творчество выдающегося отечественного композитора второй половины ХХ века Бориса Ивановича Тищенко (1939–2010). В статье рассматривается его музыка для документальных фильмов режиссера С. Шустера «Суздаль» (1964), «Палех» (1965) и «Северные этюды» (1968). Автор работы подробно останавливается на таких аспектах темы, как новаторская роль Тищенко в деле обновления отечественного симфонизма второй половины прошлого столетия, переформатирования самих основ композиторского мышления, обогащения звуковой палитры с помощью средств современного музыкального авангарда. Особое внимание в исследовании уделяется вопросу наследования Б. Тищенко большой русской симфонической традиции.   Основным выводом статьи становится мысль о том, что музыка Б. Тищенко к документальным фильмам 1960-х годов аккумулировала в себе самые свежие идеи периода обновления в отечественном искусстве. Особым вкладом автора в исследование темы является подробное изучение трех малоизвестных партитур композитора в контексте интенсивного поиска «новой музыки». Новизна исследования заключается в том, что автор рассматривает сочинения композитора сквозь призму стилевых и языковых новаций 1960-х годов, доказывает тесную связь симфонизма Тищенко с его временем, с противоречивыми культурными и социальными процессами, выпавшими на долю поколения композиторов-«шестидесятников».

Ключевые слова: Борис Тищенко, Соломон Шустер, Советская музыка, симфонический оркестр, кинематограф, обновление, драматургия, музыка ХХ века, музыкальная театральность, музыкальный авангард

Abstract: The subject of the study is the symphonic work of the outstanding Russian composer of the second half of the twentieth century Boris Ivanovich Tishchenko (1939-2010). The article discusses his music for the documentary films directed by S. Shuster "Suzdal" (1964), "Palekh" (1965) and "Northern Studies" (1968). The author of the work dwells in detail on such aspects of the topic as Tishchenko's innovative role in the renewal of Russian symphonism in the second half of the last century, reformatting the very foundations of compositional thinking, enriching the sound palette with the help of modern musical avant-garde. Special attention is paid to the issue of B. Tishchenko's inheritance of the great Russian symphonic tradition. В  The main conclusion of the article is the idea that B. Tishchenko's music for documentaries of the 1960s accumulated the freshest ideas of the period of renewal in Russian art. A special contribution of the author to the study of the topic is a detailed study of three little-known scores of the composer in the context of an intensive search for "new music". The novelty of the research lies in the fact that the author examines the composer's compositions through the prism of stylistic and linguistic innovations of the 1960s, proves the close connection of Tishchenko's symphonism with his time, with the contradictory cultural and social processes that befell the generation of composers of the "sixties".

Keywords: Boris Tishchenko, Solomon Schuster, Soviet music, symphony orchestra, cinema, update, dramaturgy, music of the twentieth century, musical theatricality, musical avant-garde

Аннотация: Статья рассказывает о первой в истории отечественной музыкальной педагогики дидактической разработке по элементарной теории музыки, созданной в 1930-х годах ростовским композитором и педагогом Тихоном Ивановичем Сотниковым для самостоятельного освоения музыкально-теоретических знаний. Автор статьи указывает, что потребность в создании такого учебно-методического пособия для самообучения была продиктована сложившейся ситуацией в культурной жизни СССР начиная с 1930-х годов, когда в стране наблюдался активный рост художественной самодеятельности. Постепенное усложнение репертуара коллективов требовало роста музыкальной грамотности ее участников. Анализируя историческую ситуацию, автор констатирует, что несмотря на развивающуюся систему музыкального образования, школ и квалифицированных педагогов-музыкантов в масштабах страны не хватало. Усугубили ситуацию военные годы, когда были уничтожены многие библиотеки и архивы, и для желающих изучать музыкальную грамоту существенную проблему представлял даже поиск учебной литературы. Разработанные Сотниковым таблица и тематические карточки для самостоятельных занятий содержали не просто краткие сведения по музыкальной грамоте, но давали возможность тренировки теоретических знаний на практике без участия преподавателя. Кроме того, универсальность разработки ростовского композитора заключалась и в том, что его методика для самостоятельных занятий могла быть использована в тандеме с любыми из существовавших тогда учебников по теории музыки. Идея получила самую высокую оценку от профессоров ведущих музыкальных вузов СССР и была рекомендована к изданию в масштабах страны. В заключении автор статьи приходит к выводу, что в контексте исторической обстановки середины ХХ века в СССР разработка Сотникова была не просто актуальна, но при своевременной публикации могла иметь и вовсе революционное значение для развития музыкальной культуры в стране, и ее значение для истории музыкальной педагогики неоспоримо.

Ключевые слова: Тихон Сотников, элементарная теория музыки, самообразование, музыкальная грамота, самодеятельность, советская музыкальная культура, образование в СССР, сольфеджио, История музыкального самообразования, учебное пособие

Abstract: The article tells about the first didactic development in the history of Russian music pedagogy on elementary music theory, created in the 1930s by Rostov composer and teacher Tikhon Ivanovich Sotnikov for the independent development of musical and theoretical knowledge. The author of the article points out that the need to create such an educational and methodological manual for self-study was dictated by the current situation in the cultural life of the USSR since the 1930s, when there was an active growth of amateur artistic activity in the country. The gradual complication of the repertoire of collectives required the growth of musical literacy of its participants. Analyzing the historical situation, the author states that despite the developing system of music education, there were not enough schools and qualified music teachers nationwide. The situation was aggravated by the war years, when many libraries and archives were destroyed, and even the search for educational literature presented a significant problem for those who wanted to study musical literacy. The table and thematic cards developed by Sotnikov for independent studies contained not just brief information on musical literacy, but also made it possible to train theoretical knowledge in practice without the participation of a teacher. In addition, the versatility of the Rostov composer's development was also in the fact that his methodology for independent studies could be used in tandem with any of the textbooks on music theory that existed at that time. The idea was highly appreciated by professors of the leading musical universities of the USSR and was recommended for publication nationwide. In conclusion, the author of the article comes to the conclusion that in the context of the historical situation of the mid-twentieth century in the USSR, Sotnikov's development was not just relevant, but with timely publication could have a revolutionary significance for the development of musical culture in the country, and its significance for the history of music pedagogy is undeniable.

Keywords: Tikhon Sotnikov, elementary music theory, self-education, musical diploma, amateur performance, soviet musical culture, education in the USSR, solfeggio, History of musical self-education, study guide

Аннотация: Статья посвящена анализу темы труда в советской массовой песне 1930-х гг. Цель исследования – раскрыть поэтику труда массовой песни в контексте отечественной музыкальной культуры 30-х гг. ХХ в. Автор указывает, что массовая песня представляет собой один из наиболее интересных феноменов советской культуры. Справедливо отмечается, что являясь продуктом социалистической эпохи, массовая песня была призвана решать задачи мобилизации значительного числа людей на трудовой подвиг, без которого было немыслимо успешное строительство новой жизни в молодом советском государстве в первые десятилетия его становления после Октябрьской революции 1917 г. Констатируется, что песня тех минувших лет отражала типичные черты песенного искусства, направленого на развитие у советских граждан оптимистичного духа, твердой воли и уверенности в собственных силах. В статье рассматриваются характерные черты массовой песни 1930-х гг., анализируются цели ее распространения, основные образы, популяризируемые в текстах данного вида песен, а также их влияние на сознание советского народа. Теоретическая значимость проделанного исследования определяется его вкладом в разработку проблем эстрадного музыкального искусства как неотъемлемой части отечественной культуры.

Ключевые слова: труд, массовая песня, советская эпоха, музыкальная культура, музыкальное искусство, соцреализм, песенное творчество, трудовой подвиг, трудовой энтузиазм, идеологизация

Abstract: The article is devoted to the analysis of the theme of labor in the Soviet mass song of the 1930s. The purpose of the study is to reveal the poetics of mass song labor in the context of the Russian musical culture of the 30s of the twentieth century. The author points out that the mass song is one of the most interesting phenomena of Soviet culture. It is rightly noted that being a product of the socialist era, the mass song was designed to solve the tasks of mobilizing a significant number of people for labor feat, without which it was unthinkable to successfully build a new life in the young Soviet state in the first decades of its formation after the October Revolution of 1917. It is stated that the song of those past years reflected the typical features of song art aimed at developing an optimistic spirit, strong will and self-confidence among Soviet citizens. The article examines the characteristic features of the mass song of the 1930s, analyzes the goals of its dissemination, the main images popularized in the texts of this type of songs, as well as their influence on the consciousness of the Soviet people. The theoretical significance of the research is determined by his contribution to the development of the problems of pop music art as an integral part of Russian culture.

Keywords: labour, mass song, the Soviet era, musical culture, musical art, social realism, songwriting, labor feat, labor enthusiasm, ideologization

Аннотация: Предметом исследования является симфоническое творчество выдающегося отечественного композитора второй половины ХХ века Бориса Ивановича Тищенко (1939–2010). Статья является продолжением краткого анализа всех семнадцати симфоний композитора, в ней рассматриваются сочинения 1980–2000-х годов: Французская и Пушкинская симфонии, Данте-симфонии, симфонии №№ 7, 8, 9. Автор работы подробно останавливается на таких аспектах темы, как новаторская роль Тищенко в деле обновления отечественного симфонизма второй половины прошлого столетия, взаимоотношение музыки и поэзии в его больших оркестровых произведениях, на серьезном влиянии литературных концепций на развитие его симфонизма. Особое внимание в исследовании уделяется вопросу наследования Б. Тищенко большой русской симфонической традиции. Основным выводом статьи становится мысль о том, что Б. Тищенко – один из немногих в своем поколении остался верен жанру большой, «чистой» симфонии, явился наследником симфонической линии своего гениального учителя Д. Шостаковича. Особым вкладом автора в исследование темы является подробное изучение всех, без исключения симфонических произведений Б. Тищенко. Подобное исследование впервые проводится в истории русской музыки. Новизна исследования заключается в том, что автор доказывает тесную связь симфонизма Тищенко с его временем, с противоречивыми культурными и социальными процессами, выпавшими на долю поколения композиторов-«шестидесятников».

Ключевые слова: Борис Тищенко, симфония, литература, поэзия, симфонический оркестр, обновление, драматургия, музыка ХХ века, музыкальная театральность, музыкальный авангард

Abstract: The research subject is the scope of symphonic works of an outstanding Russian composer of the late 20th century Boris Ivanovich Tishchenko (1939 - 2010). The article continues a brief analysis of all 17 symphonies of the composer, and considers his works of the 1980s - the 2000s: French Symphony, Pushkin Symphony, Dante Symphonies, and Symphonies No 7, 8, 9.  The author considers in detail such aspects of the topic as Tishchenko’s innovatory role in the renewal of Russian symphonism of the second half of the 20th century, the interrelation between and poetry in his large orchestra compositions, the significant impact of literary concepts on the development of his symphonism. Special attention is given to Tishchenko succeeding to the great Russian symphonic tradition. The main idea of the article is that Tishchenko is one of the few in his generation who remained committed to the genre of a large “pure” symphony and succeeded to his genius teacher D. Shostakovich. A special author’s contribution to the development of the topic is a detailed consideration of all symphonic works by Tischenko. Such a research has never been held in the history of Russian music before. The scientific novelty of the research consists in the fact that the author proves a close connection between Tishchenko’s symphonism with his time and the controversial cultural and social processes suffered by the composers of the sixties.  

Keywords: Boris Tishchenko, symphony, literature, poetry, Symphony orchestra, renewal, dramaturgy, Music of the XX century, musical theatricality, musical Avant-garde

Аннотация: Предметом исследования является симфоническое творчество выдающегося отечественного композитора второй половины ХХ века Бориса Ивановича Тищенко (1939–2010). В статье рассматриваются его сочинения 1960-1980-х годов: первые шесть симфоний, имеющих номера, а также ряд симфоний, имеющих названия. Автор работы подробно останавливается на таких аспектах темы, как новаторская роль Тищенко в деле обновления отечественного симфонизма 1960-х годов, взаимоотношение музыки и поэзии в больших оркестровых произведениях Тищенко, а также на серьезном влиянии литературных концепций на развитие его симфонизма. Особое внимание в исследовании уделяется вопросу наследования Б. Тищенко большой русской симфонической традиции. Основным выводом статьи становится мысль о том, что Б. Тищенко – один из немногих в своем поколении остался верен жанру большой, «чистой» симфонии, явился наследником симфонической линии своего гениального учителя Д. Шостаковича. Особым вкладом автора в исследование темы является подробное изучение всех, без исключения симфонических произведений Б. Тищенко. Подобное исследование впервые проводится в истории русской музыки. Новизна исследования заключается в том, что автор доказывает тесную связь симфонизма Тищенко с его временем, с противоречивыми культурными и социальными процессами, выпавшими на долю поколения композиторов-«шестидесятников».

Ключевые слова: Борис Тищенко, Симфония, Музыка в СССР, Поэзия, Симфонический оркестр, Обновление, Драматургия, Слово и музыка, Музыкальная театральность, Ленинград

Abstract: The research subject is the symphonic works of an outstanding Russian composer of the late 20th century Boris Ivanovich Tishchenko (1939 - 2010). The article considers his compositions of the 1960s - 1980s: the first six symphonies with numbers and some symphonies with titles. The author studies such aspects of the topic as Tishchenko’s innovatory role in the renovation of Russian symphonic style of the 1960s, the interrelation of music and poetry in Tishchenko’s large orchestra compositions, and the significant influence of literary concepts on the development of his symphonic style. Special attention is given to the issue of Tishchenko taking over from the large Russian symphonic tradition. The main contribution of the research is the idea that Tishchenko is among the few of his generation who held true to the genre of large “pure” symphony, and took over from the symphonic line of his genius teacher D. Shostakovich. The author’s special contribution is the analysis of all symphonic works by B. Tishchenko. Such a detailed study is the first in Russia. The scientific novelty of the research consists in the fact that the author proves a close connection between Tishchenko’s symphonic style and his epoch, the controversial cultural and social processes suffered by his generation.

Keywords: Boris Tishchenko, Symphony, Music in the USSR, Poetry, Symphony orchestra, Renewal, Dramaturgy, Word and music, Musical theatricality, Leningrad

Аннотация: Предметом исследования является симфоническое творчество выдающегося отечественного композитора второй половины ХХ века Бориса Ивановича Тищенко (1939–2010). В статье рассматриваются его сочинения 1960-х годов, вдохновленные классической и современной русской поэзией. Автор работы подробно останавливается на таких аспектах темы, как взаимоотношение музыки и поэзии в больших оркестровых произведениях Тищенко, а также на серьезном влиянии литературных концепций на развитие его симфонизма. Особое внимание в исследовании уделяется четырем выдающимся произведениям композитора: Балету «Двенадцать» по поэме А. Блока (1963), Второй симфонии «Марина» на стихи М. Цветаевой (1964), Реквиему на слова А. Ахматовой (1966) и музыке к документально-игровой картине «Гибель Пушкина» (1967).   Основным выводом статьи становится мысль о том, что большая часть симфонического творчества Б. Тищенко основана на его любви к литературе, к слову, к художественному образу, рожденному литературой и поэзией. Особым вкладом автора в исследование темы является подробное изучение масштабных симфонических произведений Б. Тищенко 1960-х годов, в основе которых оказались поэтические произведения. Новизна исследования заключается в том, что литературоцентристкие концепции Б. Тищенко впервые рассматриваются в контексте развития его симфонического творчества, в статье устанавливается тесная связь авторского стиля и языка композитора с внемузыкальным влиянием на его художественное мышление.

Ключевые слова: Борис Тищенко, Марина Цветаева, Анна Ахматова, поэзия, симфония, обновление, драматургия, слово и музыка, Александр Пушкин, вокальное творчество

Abstract: The subject of this research is the symphonic creativity of the outstanding late twentieth-century Russian composer Boris Ivanovich Tishchenko (1939–2010). The author studies his works from the 1960s, which were inspired by classical and modern Russian poetry, while focusing on issues such as the interrelation between music and poetry in Tishchenko’s orchestral compositions and the significant influence of literary concepts in the development of his symphonic style. Special attention is given to four of the composer’s outstanding works: The Twelve, a ballet based on Alexander Blok’s poem (1963), Symphony No.2 Marina to Marina Tsvetaeva’s lyrics (1964), Requiem to the poem by Anna Akhmatova, and a piece of dramatic music, The Death of Pushkin (1967). The author arrives at the conclusion that most of Tishchenko’s symphonic creativity was based on his love of literature, words, and the artistic image begotten by literature and poetry. The author’s unique contribution to the research of this topic is a detailed study of Tishchenko's significant symphonic works based on poetry in the 1960s. The scientific novelty of this research is that Tishchenko's literature-centric works are, for the first time, being considered in the context of the development of his symphonic creativity. The article uncovers a strong correlation between the author’s style, the composer’s language, and the non-music influences on his creative process.  

Keywords: Boris Tishchenko, Marina Tzvetaeva, Anna Akhmatova, poetry, symphony, renewal, dramaturgy, word and music, Alexander Pushkin, vocal art

Аннотация: Вокальный цикл Л. Бергера «Прекрасная Мельничиха» рассмотрен в контексте связей с позднейшим сочинением Ф. Шуберта, обусловленных использованием поэтических текстов В.Мюллера. Предметом исследования является система внутренних связей как в поэтических текстах, так и в музыке песен, образующих вокальный цикл: тональной логике, тематических и жанровых решениях. При анализе учитываются новые качества жанра Lied в берлинской песенной школе, который оказывается связующим звеном между фольклорной песней и авторским творчеством. Усиление авторского начала приводит к появлению диалогической напряженности в тексте, стилизованном под Lied im Volkston. В цикле выявляются символические и структурные связи, приближающие его к типу вокального цикла как дневника, что будет характерно для творчества Ф.Шуберта и Р.Шумана. Такое решение основано на организации цикла вокруг фигуры Мельника как главного героя и определяющей роли в цикле образов поэзии Мюллера. Анализ цикла позволяет заключить, что вокальный цикл Людвига Бергера развивает этот жанр в направлении шубертовских шедевров в большей степени, нежели цикл Л. ван Бетховена «К далекой возлюбленной». Главный вывод исследования: изначальная связь со спектаклем (лидершпилем) преодолевается в замысле Мюллера и Бергера, и решающая роль в такой концепции принадлежит композитору.

Ключевые слова: Вильгельм Мюллер, Людвиг Бергер, романтизм, вокальные циклы Шуберта, лидершпиль, берлинская песенная школа, круг песен, символика, немецкая Lied, Прекрасная Мельничиха

Abstract: The author considers L. Berger’s vocal cycle “The Beautiful Miller Maid” in the connection with the latest composition by Schubert, determined by the usage of poetic texts of W. Müller. The research subject is the system of internal linkages both in poetic texts and the music of songs of the vocal cycle: the tone logic and thematic and genre design. The author takes into account the new features of the genre Lied in Berlin singing style, which is the point of contact between a folklore song and an author’s work. The intensification of the author’s element leads to the emergence of a dialogue tensity in a text simulating a “Lied im Volkston”. In the cycle, symphonic and structure linkages become apparent  bringing it closer to the type of a vocal cycle as a diary that would be typical for the works of F. Schubert and R. Schumann. Such a design is based on the organization of the cycle around the figure of a Miller as a central character and a defining role in the cycle of images of Müller’s poetry. The analysis of the cycle allows concluding that the vocal cycle by L. Berger develops this genre in the direction of Schubert’s masterpieces far more so than Beethoven’s cycle “To the distant beloved”. The key idea of the research is as follows: the initial linkage to the play (Liederspiel) is overcome in the design of Müller and Berger, and the decisive role in this concept  is the one of the composer.   

Keywords: Wilhelm Mueller, Ludwig Berger, romanticism, Schubert vocal cycles, leaderspiel, the Berlin song school, circle of songs, symbolism, German Lied, The Lovely Maid of the Mill

Аннотация: Предметом исследования является монументальное вокально-симфоническое сочинение выдающегося отечественного композитора второй половины XX века Бориса Тищенко «Реквием» на стихи А. Ахматовой. Отпевали Ахматову в церкви Никольского собора в Ленинграде 10 марта 1966 года. В партитуре «Реквиема» композитор поставил точку 16 августа 1966-го. Таким образом, сочинение на стихи Ахматовой стало памятью о ней, музыкальным приношением и даже первым нерукотворным ей памятником. Особое внимание в статье уделяется симфонической форме «Реквиема», разночтениях в трактовках поэтической темы у Тищенко и Ахматовой, роли симфонического оркестра и солистов-вокалистов, автор касается, также, важной темы качественного исполнения сложнейших тищенковских партитур.   Основным выводом проведенного исследования является тот факт, что «Реквием» Тищенко стал важным звеном в процессе обновления отечественного симфонизма 1960-1970-х годов, написанный свежим современным языком, он стал одним драйверов этого обновления. По сути, сочинение это является вокальной симфонией, и композитор последовательно развивает в произведении именно симфоническую форму. Новизна исследования заключается в том, что первые в отечественном музыкознании «Реквием» Тищенко рассмотрен так полно и подробно, раскрыта содержательная часть произведения, проанализированы исполнительские сложности. Автор обоснованно причисляет симфоническое сочинение Тищенко к ряду самых значительных в истории русской музыки.

Ключевые слова: Борис Тищенко, Анна Ахматова, Дмитрий Шостакович, Реквием, симфония, сопрано, тенор, симфонический оркестр, поэзия, драма

Abstract: The research subject is a monumental semi-orchestral composition created by an outstanding Russian composer of the late 20th century Boris Tischenko “Requiem” with lyrics by A. Akhmatova. A funeral service over Akhmatova was read at the church of St. Nicholas Naval Cathedral in Leningrad on March 10, 1966. The score of the “Requiem” was finished on August 16, 1966. Thus, the composition with the lyrics by Akhmatova has become a tribute to her, a musical offering, and even the first monument not built with hands. The author gives special attention to the symphonic form of the “Requiem”, differences in the interpretations of the poetic theme in the works of Tischenko and Akhmatova, the role of the symphonic orchestra and the leading singers; the author also considers an important issue of a high-quality performance of the hardest scores created by Tischenko. The main conclusion of the research is the fact that Tischenko’s “Requiem” has become an important element in the process of renovation of Russian symphonic style of the 1960s - the 1970s. As a composition, written in a modern language, it has become one of the drivers of this renovation. As such, the composition is a vocal symphony, and the composer develops the symphonic form step-by-step. The scientific novelty of the research consists in the fact that it is the first work in Russian musicology to consider Tischenko’s “Requiem” in detail, to reveal the contensive aspect of the composition, and to analyze the difficulties of performing the composition. The author reasonably reckons the symphonic composition by Tischenko among the most significant pieces in the history of Russian music.   

Keywords: Boris Tishchenko, Anna Akhmatova, Dmitry Shostakovich, Requiem, Symphony, soprano, tenor, Symphony orchestra, poetry, drama

Аннотация: В XIX веке после двухвекового забвения возрождается интерес к средневековому жанру danse macabre. Пляски смерти не только находят новое воплощение в живописи, литературе, музыке, но и привлекают внимание ученых. Предметом исследования в данной статье является один из таких научных трудов – «Les Danses des Morts» Ж. Кастнера, уникальность которого заключается в соединении теоретического исследования и практического воплощения его результатов в музыкальном произведении. Жанр трактата определяется учеными как livre-partition – книга-партитура. Автор приводит биографические сведения из жизни и творчества французского ученого, музыковеда и композитора, мало известного в отечественном музыкознании. Основываясь на собственном переводе оригинального текста, рассматривает структурно-содержательные компоненты трактата и выявляет его специфику. Ж.-Ж. Кастнер рассматривает жанр dance macabre в историческом, философском и эстетическом аспектах, прослеживает взаимовлияние литературных, изобразительных и музыкальных версий плясок. В трактате французского музыковеда подробно рассматривается инструментарий dance macabre (на основе коллекции гравюр из дерева готической Doten Dantz, напечатанной во второй половине XV века). выявлены отличия научных идей Ж.-Ж. Кастнера от танатологических взглядов его предшественников Г. Пейно и Э.-Г. Ланглуа. Новизна работы состоит во введении в научный обиход отечественного музыкознания новых персоналий и их исследований.

Ключевые слова: тема смерти, феномен, danse macabre, пляска смерти, Жорж Кастнер, Grande Ronde, искусство, трактат, livre-partition, книга-партитура

Abstract: In the 19th century, after a two-centuries oblivion, the interest in a medieval genre “danse macabre” reappeared. Dances of Death were embodied not only in pictorial art, literature and music, but also attracted the attention of scholars. The research subject of this article is one of such scientific works - “Les Danses des Morts” by J.-G. Kastner. Its uniqueness consists in the combination of a theoretical research and practical embodiment of its results in a piece of music. The genre of the tractate is defined by scholars as “livre partition” - a sheet music book. The article contains the biographical data of the life and creative work of the French scholar, music expert and composer, little-known in Russian musicology. Based on their own translation of the original text, the authors study the structure-content components of the tractate and define its specificity. J.-G. Kastner considers the genre “danse macabre” in the historical, philosophical and aesthetic contexts; traces back the interdependence of literary, decorative, and musical versions of the dances. The tractate of the French musicologist considers in detail the range of instruments of dance macabre (based on the collection of wooden engravings of a gothic Doten Dantz printed in the late 15th century). The authors define the features of J.-G. Kastner’s ideas which differ them from the thanatological views of his predecessors H. Peino and E.-H. Langlois.

Keywords: death theme, phenomenon, danse macabre, dance of death, Georges Kastner, Grande Ronde, art, treatise, livre-partition, книга-партитура

Аннотация: Данная статья посвящена проблеме культурной традиции в творчестве позднего периода московского композитора Владимира Рубина. Целью исследования является раскрытие тенденции к восстановлению связей с историческим прошлым в духовных сочинениях В. Рубина на примере ораториальной тетралогии (оратории «Песнь Восхождения», «Песни любви и смерти», вокально-симфонический цикл «Ангел-хранитель», оратория «Будь милостив»). Выявлены художественные принципы В. Рубина, которые опираются на традиции европейской музыки эпохи классицизма и романтизма, русского церковного пения и отечественной композиторской школы. Методы научного исследования включали: системно-комплексный, теоретический, историко-культурный, эмпирический, теоретический, логический и метод экстраполяции. Научная новизна заключается в исследовании ораториального творчества Владимира Рубина в контексте наследования им культурно-исторических традиций. Впервые раскрыты неомифологическое сознание композитора, диалогичность музыкального языка, выдвинута гипотеза об особенностях тесситурно-регистрового применения в целях пространственно-временной организации музыкальной ткани. Сделан вывод о включении крупных вокально-симфонических произведений В. Рубина в рамки традиций русской духовной музыки в целом и русской духовной оратории в частности.

Ключевые слова: композитор Владимир Рубин, ораториальная тетралогия, религиозность, индивидуальный язык, культурная историческая традиция, духовная музыка, универсальный смешанный стиль, пространство и время, гипертекст, поэтический театр

Abstract:   The article studies the problem of cultural tradition in the late period of the creative work of a Moscow composer Vladimir Rubin. The aim of the research is to reveal the tendency to the restoration of links with the historical past in Rubin’s spiritual compositions using the example of the oratorial tetralogy (the oratorios “The Song of Ascension”, “The Songs of Love and Death”, the vocal-symphonical cycle “The Guardian Angel”, and the oratory “Be Gracious”). The author detects Rubin’s artistic principles which are based on the traditions of the European music of the classicism and romanticism periods, Russian liturgical chant and Russian composing school. The research methods include the system-complex method, theoretical, historical-cultural, empirical, logical, and the method of extrapolation. The scientific novelty consists in the study of Vladimir Rubin’s oratorial work in the context of him inheriting the cultural and historical traditions. The author is the first to disclose the neo-mythological mind of the composer and the dialogics of the musical language and hypothesizes about the peculiarities of tessitura and register usage for the purpose of spatio-temporal organization of music fabric. The author concludes about the inclusion of Rubin’s large vocal-symphonical works into the framework of Russian spiritual music in general and spiritual oratorio in particular.   

Keywords: composer Vladimir Rubin, oratorial tetralogy, religiousness, individual language, cultural historical tradition, sacred music, the universal mixed style, space and time, hypertext, poetry theatre

Аннотация: Основной объект исследования - фортепианный дуэт ХХ века, предмет исследования - основные признаки жанра, изменившиеся как к началу указанного столетия, так и внутри него. Автором доказывается, что по сравнению с домашним музицированием, в русле которого он зародился, и салонного музицирования, в условиях которого он находился в ХIХ веке, фортепианный дуэт ХХ века - явление самодостаточное, имеющее собственные жанровые признаки и окончательно вышедший на концертную эстраду. Помимо этого названы основные достижения фортепианного дуэта в ХХ веке : - окончательный переход из «обиходного» жанра в жанр «надбытовой»; - эволюция от необходимой замены одного фортепиано двумя для достижения определенных технических целей в ХVIII веке до полного равноправия инструментов в ХХ столетии; - смена семантико-стилистического тезауруса фортепианного дуэта в содержании, формах и языке воплощения дуэтных композиций; - четкое разделение установок, функций и обязанностей композитора, исполнителей и слушателей; - изменение в общественных тенденциях, социальной направленности жанра: центростремительная функция (исполнитель - - исполнитель), характерная для дуэта ХVIII столетия, сменила свою ориентацию, окончательно превратившись в ХХ веке в функцию центробежную (исполнитель + исполнитель - слушатель).

Ключевые слова: искусствоведение, музыковедение, философия музыки, теория музыки, музыкальное искусство, содержание искусства, фортепианный дуэт, сценическая драматургия, музыка ХХ века, современная композиция

Abstract: The key research object is a piano duet of the 20th century, and the research object is the main features of the genre which had transformed by the beginning of the 20th century and in its course. The author proves that, compared with home music-playing, within which it emerged, and party music-playing, within which it had been during the 19th century, the piano duet of the 20th century is an all-sufficient phenomenon with its own genre features and having its place on the concert stage. Besides, the author enumerates the main achievements of the piano duet in the 20th century: Ultimate transition from an “everyday” genre to a “supra-popular” one The evolution from a necessary substitution of one piano with two for the purpose of achieving certain goals in the 18th century, to complete equality of the instruments in the 20th century; The change of the semantic and stylistic thesaurus of the piano duet in contents, forms and language of duet compositions embodiment; Clear division of guidelines, functions and duties of the composer, the performers and the audience; The change in social tendencies and the social orientation of the genre: the centripetal function (performer -- performer) typical for the 18th century duet, transformed into the centrifugal one (performer + performer - listener). 

Keywords: art history, musicology, philosophy of music, theory of music, musical art, the content of art, piano duet, stage dramaturgy, 20th century music, modern composition

Аннотация: Предметом исследования является начальный этап формирования массовой музыкальной культуры в первой половине XIX века. В статье анализируются исторические, социальные и культурные условия создания одного из самых ранних жанров массовой музыки - оперетты - во Франции и Великобритании. В этих странах популярные публичные развлечения (ярмарочный театр, кафе-шантан, публичные концерты, мюзик-холл, театр бурлеска) создали предпосылки рождения не только нового жанра, но и нового типа культуры. Ж.Оффенбах, У.Гилберт и А.Салливан стали основоположниками оригинальных версий одного и того же жанра, опираясь на национальные музыкально-театральные традиции. Новизна работы связана с тем, что рождение оперетты в ней предстаёт как естественный итог культурно-исторического развития, выявляются сходные факторы, которые породили одновременно различные и, вместе с тем, внутренне близкие явления. Оперетта как явление массовой музыкальной культуры заполнила разрыв, который существовал между оперой и жанрами «низкого» народного театра, вбирая в себя достоинства того и другого. Новизна жанра проявилась как в особенностях содержания и музыкальных форм, так и в новой социальной функции, в обращении к качественно новой аудитории, объединившей разные слои современного общества и оказывающей непосредственное воздействие на конечный художественный результат.

Ключевые слова: Оперетта, массовая музыкальная культура, мюзик-холл, театр бурлеска, кафе-шантан, публичный концерт, Жак Оффенбах, Уильям Гилберт, Артур Салливан, пародия

Abstract: This article focuses on the initial stage of the formation of popular music culture in the first half of the 19th century. It analyzes the historical, social, and cultural context of the emergence of one of the earliest genres of popular culture—operetta—in France and Great Britain. In these countries, popular public entertainment (cafe-chantant, public concerts, music halls, burlesque theatres) created the prerequisites for the emergence of not only a new genre but also a new type of culture. Jacques Offenbach, William Schwenck Gilbert, and Arthur Sullivan became the founders of the original versions of this genre, which were based on national music and theatre traditions. The scientific novelty of the research is determined by the fact that the emergence of the operetta is described as a natural result of cultural and historical development; the author outlines the similar factors that spawned a different and, at the same time, internally close phenomena. Operetta, as a popular music phenomenon, filled the gap between opera and the genres of folk theatre, soaking up the merits of both. The novelty of the genre manifested itself both in the peculiarities of the content and the music forms and the new social function, an appeal to a fundamentally new audience that united different social classes and directly influenced the final artistic result.  

Keywords: operetta, mass music culture, music hall, burlesque theatre, cafe-chantant, public concert, Jacques Offenbach, William Gilbert, Arthur Sullivan, parody

Аннотация: Предметом исследования является жанровая и символическая специфика поэтического цикла Вильгельма Мюллера «Прекрасная мельничиха», ставшего основой вокального цикла Ф.Шуберта. Обстоятельства создания цикла предопределяют наличие в нем игровой поэтики, которая обусловлена тем, что сюжет возник в качестве салонного спектакля (лидершпиля), а также объективной ориентацией авторов круга В.Мюллера на стилизацию народной и рыцарской поэзии средневековья. Поэтический цикл В.Мюллера рассмотрен в контексте традиций романтической поэзии, восходящих к миннезангу и майстерзангу и находящих отражение как в тематике и образах цикла, так и в его структуре. Анализируется жанровое решение мюллеровского цикла, связанное с наличием собственно сюжета и композиционной рамки, образованной прологом и эпилогом.    Анализ частей, не вошедших в музыкальную концепцию Ф.Шуберта, приводит к возможности увидеть с новой точки зрения генезис общей темы двух циклов, что и обеспечивает научную новизну статьи. В цикле выявляются дополнительные драматургические и символические связи, создающие своеобразное пространство поэзии-игры. Исследуются эстетические и стилистические причины, заставившие композитора отказаться от ряда частей поэтического цикла. Мюллеровский замысел оказывается связан с многоуровневой системой «игровых» опор в развитии текста, шубертовское решение − с устранением этого драматургического ряда, что обеспечивает дополнительные взаимосвязи «Прекрасной мельничихи» и позднейшего трагического цикла «Зимний путь».

Ключевые слова: Вильгельм Мюллер, поэзия, романтизм, гейдельбергская поэтическая школа, вокальные циклы Шуберта, романтическая ирония, игровая логика, миннезанг, майстерзанг, стилизация

Abstract: The research subject is the genre and symbolical specificity of the poetry cycle by Wilhelm Mueller “The Fair Maid of the Mill” which became the basis of the vocal cycle by F. Schubert. The circumstances of the cycle creation predetermine the presence of poetics of play which is determined by the fact that the plot was created as a party play (Liederspiel), and an objective orientation of authors of Mueller’s milieu towards the stylization of folk and knight poetry of the Middle Ages. The poetic cycle by Mueller is considered in the context of the traditions of romantic poetry dating back to minnesong and meistersong and reflected both in the theme and the images of the cycle, and its structure. The author analyzes the genre solution of Mueller’s cycle, connected with the presence of the plot itself and the composition framework formed by the prologue and the epilogue. The analysis of the parts out of the music concept of Schubert gives the possibility to look at the genesis of the common theme of the two cycles from a new viewpoint thus explaining the scientific novelty of the research. The author outlines additional drama and symbolical connections in the cycle which form a particular poetry-play space. The author studies esthetic and stylistic reasons which made the composer refuse some parts of the poetry cycle. It turns out that Mueller’s idea is connected with a multilayer system of “play” foundations in the development of the text, and Schubert’s solution - with the elimination of this drama range which ensures additional interconnections between “The Fair Maid of the Mill” and the later tragic cycle “The Winter Journey”. 

Keywords: Wilhelm Mueller, poetry, romanticism, Heidelberg poetry school, Schubert vocal cycles, romantic irony, game logic, minnesang, meistersang, stylization

Аннотация: Статья посвящена одной из важнейших тем русского дискурса – теме Петербурга, в частности, осмыслению феномена Петербурга в композиторском творчестве. Цель исследования – проследить процесс становления отечественной музыкальной «петербургианы». Главной задачей стало реконструирование разрозненных материалов, связанных с ракурсами воплощения Петербурга в творчестве отечественных композиторов. Методы исследования продиктованы междисциплинарным характером, синтезирующим сравнительно-исторический, культурологический, музыкально-теоретический подходы. В качестве определяющих стали работы, связанные с «петербургским текстом», в частности труд В. Топорова, который впервые вводит данное понятие в литературоведении, ставшее фундаментом для осмысления феномена Петербурга и в других видах искусства. Определенная научная новизна заключается в том, что в данной статье впервые представлен обзорно-аналитический экскурс становления и развития отечественной музыкальной «петербургианы», начинающей свой отчет с XVIII столетия и за 300-летний период накопившей более 800 опусов. В результате проведенного исследования автором выделены ключевые темы и образы воплощения Петербурга на примерах музыкальных сочинений композиторов XIII–XXI вв., систематизированных по жанрам и хронологическому принципу. Представленные материалы являются результатом собирательской работы, намечая интересные перспективы и ракурсы для дальнейшего комплексного изучения претворения темы Петербурга в отечественной музыкальной культуре сквозь призму сочинений ее творцов.

Ключевые слова: Петербург, музыкальная петербургиана, петербургский текст, петербургский миф, отечественная музыкальная культура, история России, Петербург и музыка, композиторы Петербурга, история Петербурга, русская музыка

Abstract: The article considers one of the most important topics of Russian discourse - the issue of St.Petersburg, particularly the understanding of the phenomenon of Petersburg in the works of composers. The purpose of the research is to trace back the process of formation of Russian musical “Petersburgiana”. The main task is to reconstruct segmentary materials related to the aspects of manifestation of Petersburg in the works of Russian composers. The research methods are determined by the interdisciplinary nature which synthesizes the approaches of comparative history, culturology, and music theory. As the key works, the author chooses the works related to the “Petersburg text”, particularly the work by V.Toporov who was the first to introduce this term into the literature studies. It serves as a basis for the understanding of the phenomenon of Petersburg in other forms of art. The scientific novelty of the research consists in the fact that it is the first to study the evolution of Russian musical “Petersburgiana”, which started in the 18th century and during its 300-year history produced more than 800 opuses. The author outlines the key topics and images of Petersburg embodiment using the examples of the works of the composers of the 18th - 21st centuries, organized according to their genre and chronologically. These materials are the result of the research work; they outline promising concepts and aspects for the further comprehensive analysis of Petersburg in Russian music culture in terms of the works of its creators.

Keywords: St. Petersburg, musical peterburgiana, text about St. Petersburg, the myth of St. Petersburg, russian music culture, history of Russia, Petersburg and music, composers of St. Petersburg, history of St. Petersburg, russian music

Аннотация: В статье рассматривается юношеское сочинение Дмитрия Шостаковича Две басни И. А. Крылова для голоса и фортепиано. Несмотря на то, что романсы написаны, когда композитору было всего пятнадцать лет, в них намечаются многие важные направления камерно-вокальной лирики и художественные принципы зрелого творческого периода Шостаковича, отчетлив именно его почерк, его образность и даже мастерство. Основное внимание в статье уделяется тесной связи Басен с поздними вокальными произведениями композитора, в ней дается разбор романсов, приводятся оценки этой работы самим Шостаковичем, рассказывается о творческом окружении автора времени создания сочинения.    Основным выводом приведенного исследования является ясное понимание того, что юношеские Басни Крылова достаточно широко открывают дверь в мир камерно-вокального искусства композитора. В них намечаются все основные линии развития вокальной лирики Шостаковича – яркая театральность, склонность к юмору и гротеску, парадоксальность мышления, образность, ансамблевая значимость фортепианного аккомпанемента. С высоты наших дней мы находим это произведение и ярким, и смелым, и новаторским. Тем не менее, оно мало исполняются и мало изучаются. Цель статьи – привлечь внимание к этому оригинальному и яркому опусу гениального русского композитора.

Ключевые слова: Басни Крылова, Шостакович, Штейнберг, Ленинградская консерватория, меццо-сопрано, фортепиано, сатира, гротеск, музыкальная театральность, вокальное творчество

Abstract: The article considers the composition Dmitri Shistakovich created in his youth days: Two Fables by Krylov for vocal and piano. Despite the fact that the romances were written when the composer was only 15 years old, they outlined many important streams of chamber vocal works and artistic principles of the mature creative period of Shostakovich; his manner, imagery and even mastery are easily visible. The author focuses on the close connection between the fables and the late vocal works of the composer, analyzes the romances and adduces Shostakovich’s own evaluations of this work, and tells about the creative milieu of the composer which affected the creation of the composition. The author concludes that youthful Krylov’s fables manifested the capacity of the chamber vocal art of the composer. They contain all the basic streams of development of Shostakovich’s vocal lyrics - bright theatricality, inclination for humour and grotesque, paradoxicality of thinking, figurativeness, and ensemble significance of a piano accompagnement. With the benefit of hindsight, we find this composition bright, and daring, and forward-looking. Nevertheless, it is rarely played and poorly studied. The purpose of the article is to draw attention to this original and bright opus of an ingenious Russian composer.   

Keywords: Fables of Krylov, Shostakovich, Steinberg, Leningrad Concervatory, mezzo soprano, piano, satire, grotesque, musical theatricality, vocal art

Аннотация: Статья посвящена структуре и драматургии Рождественского Праздничного Триптиха архимандрита Матфея (Мормыля). В работе отмечается богословское обоснование структуры Триптиха. Предметом исследования является звуковысотная организация и тембровая драматургия всей композиции, обоснованная богослужебной концепцией о. Матфея. По мнению автора, в I части Триптиха, господствуют модально окрашенная тональность в сочетании с высокой звучностью хора. II часть зиждется на классической функциональной тональности и мощном хоровом полнозвучии. III часть выдержана в стиле обиходного многоголосия. При анализе тональных структур используется функциональный метод. Автор учитывает концепцию «всеступенности» П. И. Чайковского, развитую А. Н. Мясоедовым. При рассмотрении многоголосия обиходного типа отмечается его типологическое родство с нормами композиции эпохи позднего Возрождения, изученными представителями научной школы Ю. Н. Холопова. Тембровый аспект Триптиха освещается в соответствии с концепцией Н. Г. Денисова, разработанной в рамках структурно-типологического метода. Привлекается также метод графического отображения многоголосия, введенный в фольклористическую научную практику Е. Э. Линёвой. Научная новизна статьи определяется несколькими факторами.Впервые рассматриваются: звуковысотная и тембровая стороны Рождественского Триптиха; к церковно-певческому материалу впервые применяется аналитическая методика Ю. Н. Холопова; музыкальная логика архимандрита Матфея представлена как явление, опосредованное его богословскими убеждениями. Автор приходит к выводу о том, что архимандрит Матфей создавал Рождественский Праздничный Триптих не только как приношение 2000-летию Рождества Христова, но как возможность произнести свое пастырское слово об этом ключевом событии в Священной истории.

Ключевые слова: архимандрит Матфей, Рождество Христово, Триптих, состояния тональности, переменность, тембровая драматургия, тональные функции, многоголосие, уставной напев, гармонизация

Abstract: The article considers the structure and dramaturgy of the Christmas Festive Triptych by archimandrite Matthew (Mormyl). The author notes the liturgic substantiation of the Triptych’s structure. The research subject is the pitch organization and timbre dramaturgy of the composition justified by the liturgic concept of Father Matthew. In the author’s opinion, in part I of the Triptych, the modally colored mode prevails combined with the high sonority of the choir. Part II is based on the classic functional mode and strong sonorousness of the choir. Part III is vernacular polyphony. The author applies the functional method and takes into account the P.I. Tchaikovsky’s concept of ‘all-stageness’, developed by A.N. Myasoyedov. When considering the vernacular polyphony, the author notes its typological relationship with the rules of composition of the later Renaissance studied by the representatives of Yu. N. Kholopov’s scientific school. The timber aspect of the Triptych is described in compliance with N.G. Denisov’s concept developed within the structural-typological method. The author also uses the method of graphic representation of the polyphony introduced in folklore studies by E. A. Linyova. The scientific novelty of the article is determined by several factors. The author is the first to study the pitch and timber aspects of the Christmas Triptych; the analytical methodology by Yu. N. Kholopov is for the first time applied to the liturgic material.; the music logic of archimandrite Matthew is represented as a phenomenon mediated by his theological views. The author concludes that archimandrite Matthew created the Christmas Festive Triptych not only as an offering to the two thousandth anniversary of the Nativity of Christ, but also as an opportunity to give his pastor’s message about this key event of the sacred history.   

Keywords: archimandrite Matthew, Christmas, Triptych, tonal status, variability, timbre dramaturgy, tonal functions, polyphony, statutory tune, harmonization

Аннотация: Статья посвящена проблеме анализа мелодики богослужебных напевов Русской Православной Церкви. Объектом исследования являются мелодии, входящие в круг песнопений Рождественского цикла и использованные архимандритом Матфеем (Мормылем) в Рождественском Праздничном Триптихе. Рассматривается терминология, принятая в медиевистике, фольклористике и общем музыкознании для анализа одноголосных тексто-музыкальных образований. Автор считает целесообразным использовать термин «строка» применительно к наименьшим законченным мелодическим структурам, замкнутым каденциями. Для фрагментов менее строки вводится термин «микромодель», предложенный Ю.Н.Холоповым. В качестве основного исследовательского метода используется функциональный метод, введенный в музыкальную науку Риманом и затем закрепившийся в музыкально-теоретической школе Московской консерватории. Также применяются элементы структурно-типологического метода, развитого в отечественной этномузыкологии и применимого в области музыкальной медиевистики. Частично используется также метод редукции Х. Шенкера, апробированный в музыкально-теоретической концепции Ю. Н. Холопова. Множественность методологического аспекта является одним из показателей научной новизны настоящей статьи. В заключение автором делаются выводы, суть которых сводится к нескольким позициям. Во-первых, мелодическое строение уставных напевов основывается на принципе сочленения микромоделей. Во-вторых, суть мелодических микромоделей сводится к утверждению местной или центральной ладовой опоры. В-третьих, сцепления мелодических микромоделей не исключают наличия значимой звуковысотной опоры и тяготения к терцовой координации. Все это свидетельствует об аккумулировании в напевах как архаичных, так и сравнительно поздних стилистических компонентов. Мелодика Рождественского Праздничного Триптиха в ее связи с звуковысотной организацией анализируется в отечественном музыкознании впервые.

Ключевые слова: архимандрит Матфей, Рождественский Праздничный Триптих, уставной напев, мелодическая микромодель, ладовая переменность, звуковысотная опора, гармонизация, стихира, Рождество, песнопение

Abstract: The article considers the problem of analyzing the melodics of liturgical chants of the Russian Orthodox Church. The research object is the melodies which are the parts of the chants of the Christmas cycle and are used by archimandrite Matthew (Mormyl) in the Christmas Festive Triptych. The author studies the terminology traditional for medieval studies, folklore studies and general musicology to analyze one-voiced textual and musical compositions. In the author’s opinion, it is reasonable to apply the term ‘string’ to the smallest complete melodic structures closed in cadencies. For the fragments shorter than a string, the author introduces the term ‘micromodel’ proposed by Yu.N. Kholopov. The key research method used by the author is the functional method introduced by Riman and customized in the musical and theoretical tradition of Moscow Conservatory. The author also applies the elements of structural-typological method, which had developed in Russian ethnomusicology and was applied in the field of music medieval studies. Partially, the author also uses H. Schenker’s method of reduction tested within Kholopov’s music and theoretical concept. The multiplicity of the methodological aspect is one of the signs of the scientific novelty of the article. The author arrives at several conclusions. First of all, the melodic composition of regular chants is based on the principle of micromodels junction. Secondly, the essence of melodic micromodels comes down to the establishment of a local or a central modal basis. Thirdly, the junctions of melodic micromodels don’t rule out the presence of a significant pitch basis and inclination for tertian coordination. These conclusions prove that chants accumulate both archaic and relatively new style components. The author is the first to analyze the melodic of the Christmas Festive Triptych in its correlation with the pitch organization in Russian musicology.   

Keywords: archimandrite Matthew, Christmas Festive Triptych, statutory tune, melodic micromodel, modal variability, pitch support, harmonization, stichera, Christmas, chanting

Аннотация: Предметом исследования данной статьи-интервью является творчество современного астраханского композитора Ю. П. Гонцова, объектом — история астраханской музыкальной культуры. Жанр интервью позволяет глубже познакомиться с взглядом на музыкальное творчество «изнутри», через видение композитора тех влияний, которые на него оказывает музыкальная и внемузыкальная среда. Особое внимание в статье уделяется рассмотрению стилевых индивидуальных особенности Ю. Гонцова (мелодика, интервалика, ритмика, гармонический план и т.д.), определяющих стиль его письма, производится попытка тематической классификации его вокальных сочинений. При работе над материалом статьи автор использовал следующие методы: интервьюирования (свободное интервью), идеографический – при подготовки материала беседы с композитором, систематизации – при анализе сочинений композитора. Так как статья написана в форме интервью, в самом тексте явно не прописана проблемная составляющая исследования, которая заключается в рассмотрении композиторского творчества как единого процесса социальных взаимосвязей. Особую роль в этом ключе играют составленные для беседы вопросы, которые затрагивают динамику становления композитора – от прямых влияний до самостоятельной деятельности. Особым вкладом автора в исследование является попытка систематизации стилевого языка композитора, а также тематической классификации его вокальных сочинений. Новизна исследования заключается в том, что приведенный выше музыкальный материал впервые исследуется подобным образом.

Ключевые слова: музыка, композитор, музыкальный стиль, Гонцов, мелодический рисунок, мелодическая интервалика, вокальные сочинения, мелодия, гармония, ритмика

Abstract: The research subject of this interview is the creative work of a modern Astrakhan composer Yu.P. Gontsov, and the object is the history of Astrakhan music culture. The interview genre gives an opportunity to study musical creativity in great detail, from the inside, through the composer’s view of the influence of the music and non-music milieu. The author of the research gives special attention to Gontsov’s individual stylistic features (melodics, intervalics, rhythmics, harmonic plan, etc.), defining the style of his notating, and attempts to classify his vocal pieces. The author uses the method of interviewing (in-depth interview), the ideographic method (to prepare the materials), and systematization (to analyze the composer’s works). As the article is an interview, it doesn’t contain an explicit problematics which is to consider the composer’s creative work as an integral process of social interconnections. The questions used in the interview are essential as they help trace back the composer’s evolution - from direct influences to independent work. The author’s special contribution is the attempt to systematize the style language of the composer, and to classify his vocal pieces. The scientific novelty consists in a new method of studying such music material.   

Keywords: music, composer, musical style, Gontsov, melodic pattern, melodic interval, vocal compositions, melody, harmony, rhythmic

Аннотация: Около 1720 года была создана арфа с педалями простого действия - harpe organisée. Предметом анализа в статье является история, строение, особенности звучания этого музыкального инструмента. Цель исследования заключается в необходимости на теоретическом уровне раскрыть специфику игры на арфе с педалями простого действия в середине XVIII века, когда были предприняты первые попытки сформулировать принципы арфовой педагогики. Теоретическая значимость подтверждается характеристикой понятий «арфа с педалями простого действия», «европейская музыка», «строение арфы», «особенности звучания арфы» в контексте истории философско-искусствоведческого знания, а также - методологии науки. Практическая значимость подтверждается тем, что полученные результаты позволяют широко понимать роль арфы с педалями простого действия, проследить соотношение арфовой методики с исполнительской практикой XVIII века, определить место арфы в системе философии культуры, искусства начала ХХІ века. Методология работы предопределена целью и задачами исследования, а также самобытностью исследуемого материала. Ее основа - метод аналитического изучения источников, проясняющий логику и понятие об арфе с педалями простого действия; методы сравнительного анализа. Научная новизна статьи определяется самой постановкой проблемы, а также подтверждается тем, что в отечественном музыкознании дополняется новый фактический материал об арфе с педалями простого действия, позволивший по-иному осветить проблемы истории, строения инструмента, особенностей его звучания. Результат работы - исторические процессы в арфовом исполнительстве, специфика арфы с педалями простого действия – актуальная научная проблема, решение которой ведет к пониманию исторического исполнительства и смысловых доминант арфовой музыки в европейской цивилизации.

Ключевые слова: Арфа с педалями, искусство, музыка, исполнительство, репертуар, игра на арфе, трактаты, струны, звуки, инструментальные мастера

Abstract: A single-action pedal harp - harpe organisee - was created in 1720. The research subject in the article is its history, parts and speech peculiarities. The aim of the research is to theoretically reveal the specificity of playing a single-action pedal harp in the middle of the 18th century, when the first attempts were made to formulate the principles of harp pedagogics. Theoretical significance is proved by the characteristics of the terms “a single-action pedal harp”, “European music”, “the parts of a harp”, “a harp’s speech peculiarities” in the context of the history of philosophical and the study of art knowledge and the scientific methodology. The practical importance is proved by the fact that the acquired results give the opportunity to broadly understand the role of a single-action pedal harp, trace back the correlation between harp technique with performing practice of the 18th century, define the place of harp within a system of the philosophy of culture and art of the 21st century.  The research methodology is defined by the aim and tasks of the study and the uniqueness of the material under study. It is based on the method of analytical study of sources clarifying the logic and the idea of a single-action pedal harp; and the method of comparative analysis. The scientific novelty is defined by the very problem statement and proved by the fact that the author adds new facts about a single-action pedal harp to the Russian musicology, which helps to see the problems of its history, parts and speech peculiarities in a new perspective. The result of the research - the historical processes in harp performance and the specifics of a single-action pedal harp - is the topical scientific problem. Its solution would lead to better understanding of historic performance and dominants of meaning in harp music in the European civilization.   

Keywords: Single action harp, art, music, performance, repertoire, playing the harp, tracts, strings, sounds, instrumental masters

Аннотация: Предметом исследования является применение духовых инструментов в партитурах Д. С. Бортнянского 1780-х гг. Объектом исследования является творчество Д. С. Бортнянского в контексте утверждения в России музыкального классицизма и интереса в аристократической среде эстетики галантного стиля. Автор подробно рассматривает характерные признаки галантного стиля, а также приемы оркестрового письма композитора. Анализируется инструментальный состав партитур и характер использования каждого инструмента духовой группы (в рассматриваемых партитурах это флейты, гобои, кларнеты, фаготы и валторны) В работе применяется исторический метод, раскрывающий эстетические и стилевые особенности исследуемой эпохи, аналитический метод, позволяющий изучить роль и характер применения композитором духовых инструментов, музыкально-теоретический метод, связанный с вопросами инструментовки Основными выводами проведенного исследования является: 1) композитор при создании произведений галантного стиля маркирует лирические, выразительные качества тембров духовых инструментов, в то время как их технические возможности остаются для Бортнянского нерелевантными; 2) духовые инструменты выступают на первый план в моменты передачи аффектов скорби, печали, созерцания, что соответствует топосу галантности и пасторали; 3) обращаясь к парному составу симфонического оркестра, Бортнянский стремится дифференцировать его состав, разбивая звучание на ансамблевые группы, что позволяет индивидуализировать музыкальную ткань.

Ключевые слова: композитор Бортнянский, музыкальный классицизм, галантный стиль, духовые инструменты, опера, партитура, инструментовка, русская музыка, восемнадцатый век, пастораль

Abstract: The research subject is the usage of wind instruments in the scores of D.S. Bortniansky of the 1780s. The research object is the creative work of Bortniansky in the context of settlement of musical classicism in Russia and the interest in the galant style esthetics among the aristocratic circles. The authors consider the peculiarities of the galant style and the techniques of the composer’s orchestra scores. The authors analyze the instrumental composition of the scores and the manner of usage of each instrument of the wind group (in the scores under study, they are flutes, hoboys, clarinets, fagotts and French horns). The authors use the historical method revealing esthetic and style peculiarities of the epoch under study; the analytical method helping to study the role and the character of usage of wind instruments by the composer; the music-theoretical method connected with the issues of instrumentation. The research conclusions are: 1) creating the compositions of the galant style, the composer marks lyric and expressive characteristics of timbres of wind instruments, while their technical characteristics are irrelevant for Bortniansky; 2) wind instruments come to the fore in the moments of performing the affects of grief, sadness and contemplation, which  corresponds with the topos of gallantry and pastorale; 3) referring to the pair composition of a symphonic orchestra, Bortniansky strives to differentiate its composition breaking the speech into ensemble groups thus individualising the music fabric.   

Keywords: composer Bortnyansky, musical classicism, gallant style, brass, opera, score, instrumentation, Russian music, eighteenth century, pastoral

Аннотация: «Секвенции» — уникальный цикл, ставший не только знаковым для творчества самого Берио, ведь именно в нём воплотились ярчайшие элементы новаторской трактовки музыкального исполнительства автора, но и для всего мирового музыкального искусства, поскольку он, наравне с его же Симфонией (1968) для восьми голосов и оркестра, стал символом постмодернистской эстетики. Предмет исследования — наиболее популярные в исполнительской среде первые три "Секвенции" композитора, ставшие, между тем, самыми одними из самых значимых в наследии композитора.Открытость формы и содержания, использование синтеза искусств в рамках одного инструментального опуса, проникновение слова в инструментальную сферу (обращение к жанру инструментальной композиции со словом), полистилистика, орнаментально окрашивающая один опус в многообразие языковой палитры, разнообразие не только исполнительских интерпретаций каждого номера, но и его слушательского восприятия, применение новых принципов нотописи, связанных с алеаторикой — эти знаки постмодернизма представлены в «Секвенциях» в достаточно полном объёме и будут продемонстрированы в данном материале при анализе отдельных пьес цикла, наиболее показательными из которых становятся первые три. Данная статья посвящена аналитическому осмыслению именно этих "Секвенций" композитора.

Ключевые слова: искусствоведение, музыковедение, философия музыки, теория музыки, музыкальное искусство, содержание искусства, театрализация, сценическая драматургия, музыка ХХ века, пространственная музыка

Abstract: “Sequenzas” is a unique cycle that is a landmark not only for the work of Luciano Berio, since it combines the brightest elements of innovatory understanding of the author’s music performance, but also for the global musical art, since, together with his “Sinfonia” (1968), it has become the symbol of the Postmodernist esthetics. The research subject is the most popular among composers the thirst three Sequenzas, which are among the most significant ones in the composer’s body of work. The openness of the form and content, the use of arts synthesis within one instrumental piece, penetration of a word into the instrumental form (verbal reference to the genre of instrumental composition), poly-stylistics, decorating one piece of music with the variety of a language palette, the diversity of not only the performer’s interpretations of each composition, but also of a listener’s comprehension, the use of new principles of notation connected with aleatory music - all these signs of Postmodernism are represented in “Sequenzas” fully enough, and are demonstrated in this article in the analysis of particular compositions of the cycle, and the most representative of them are the first three ones. This article analyzes these works of the composer.  

Keywords: art history, musicology, philosophy of music, theory of music, musical art, the content of art, fine art, stage dramaturgy, 20th century music, spatial music

Аннотация: Предметом исследования данной статьи стали явления и процессы, связанные с рождением жанра венской оперетты как феномена зарождающейся массовой культуры. На рубеже XVIII-XIX вв. столица Австрии Вена - крупнейший музыкальный центр, где получил широкое распространение ряд музыкально-театральных жанров, готовивших появление новых художественных феноменов — аристократическая итальянская опера, французская оперетта, австро-немецкие площадной фарс и зингшпиль. Специфика общественно-политической ситуации в стране («режим Меттерниха») способствовала всемерному развитию развлекательного искусства, в музыке — вокальной лирики и танцев (вальс), в музыкальном театре — комических жанров. В работе используются сравнительно-исторический метод, историко-типологический подход, общенаучные методы анализа, систематизации и обобщения. Новизна подхода определена тем, что венская оперетта рассматривается как один из начальных этапов формирования массовой музыкальной культуры. Модель французской оперетты показала венским композиторам и драматургам образец, способный объединить достоинства высоких и низких жанров, иностранное влияние и местные традиции. В результате, ранняя венская оперетта (Ф. фон Зуппе) складывается как национальный вариант молодого жанра, обладающего чертами качественно новой массовой культуры.

Ключевые слова: Венская оперетта, французская оперетта, комическая опера, зингшпиль, фарс, вальс, массовая культура, итальянская опера, музыкальный театр, фон Зуппе

Abstract: The research subject is the phenomena and processes related to the beginning of the Vienna operetta genre as a phenomenon of the emerging mass culture. On the cusp of the 18th and 19th centuries, Vienna, the capital of Austria, was the largest music center, where a range of music and theatre genres, anticipating the emergence of new music phenomena, became widely spread - aristocratic Italian opera, French operetta, Austrian-German busk comedy and singspiel. The specificity of the socio-political conditions in the country (the Age of Metternich) facilitated the utmost development of the art of entertainment, in music - vocal lyrics and dance (waltz), in theatre - comic genres. The author uses the comparative historical method, the historical-typological approach, general scientific methods of analysis, generalization and classification. The novelty of the approach consists in the fact that Vienna operetta is considered as one of the initial stages of mass culture formation. The model of French operetta showed Vienna composers and playwriters the example able to combine the advantages of “high” and “low” genres, foreign influence and domestic traditions. As a result, Vienna operetta (F. von Suppé) was formed as a variant of a young genre possessing the features of a fundamentally new mass culture.

Keywords: Vienna operetta, French operetta, comic opera, Singspiel, Farce, Waltz, Popular culture, Italian opera, musical theatre, von Suppé

Аннотация: Предметом исследования статьи является деятельность Общества любителей изящных искусств, существовавшего в Саратове в 1889-1903 гг.. Выявлено, что ОЛИИ проводило большую работу по популяризации всех видов искусств в среде горожан. Музыкальным отделом организовывались концерты вокальной и инструментальной музыки, вызывающие интерес местных меломанов. Наиболее значимым признаётся открытие Обществом музыкальной школы, имеющей в числе других вокальное образование, а также наличие программы обучения декларирующей итальянский метод постановки голоса. Методической основой исследования можно назвать анализ сохранившихся ранее не опубликованных документов Государственного Архива Саратовской Области, Центрального Государственного Исторического Архива СПб, а также редких источников. На основе воссозданной картины деятельности ОЛИИ в контексте существующего политического напряжения в городе, доказывается, что к причинам закрытия данного культурного объединения можно отнести: постепенно нарастающую конкуренцию с Саратовским отделением Императорского Русского Музыкального Общества, поддерживаемого властями губернии, а также популярность в демократических слоях обывателей Саратова.

Ключевые слова: становление вокальных традиций, педагогическая школа, музыкальная школа, концерты вокальной музыки, демократические слои населения, устав, программа обучения, итальянский метод, репертуар, служебное письмо

Abstract: The research subject is the work of Fine Arts Society which existed in Saratov in 1889-1903. The author finds out that the Society actively popularized all types of arts among citizens. The department of music organized vocal and instrumental music concerts which were interesting for local melomaniacs. The most significant event was the opening of a music school which provided music education and the educational programme which declared the Italian method of voice-training. The research methodology is based on the analysis of unpublished materials of the State Archive of Saratov region, the Central State Historic Archive of St. Petersburg, and rare sources. Based on the reconstructed image of the Society’s work in terms of the political situation in the city of that time, the author proves that among the reasons of the Society closing were: gradually rising competition with Saratov Branch of The Imperial Russian Musical Society, supported by authorities, and the popularity in democratic circles of Saratov citizens.

Keywords: Formation of vocal traditions, pedagogical school, music school, concerts of vocal music, democratic segments of the population, charter, program of training, Italian method, repertoire, office letter

Аннотация: Предметом исследования данной статьи является астраханская региональная музыкальная культура, объектом – музыкальная культура как система. В статье автором подробно рассматривается значение фестиваля как особой формы деятельности региональных музыкальных организаций, являющихся частью когда-то мощной системы - Союза композиторов РСФСР. Особое внимание в статье уделяется рассмотрению, в качестве примера, деятельности Астраханского Союза композиторов в проведении фестиваля современной музыки, который, по мнению автора, повысил потенциал региональной музыкальной культуры. При работе над материалом статьи автор использовал следующие методы - системный метод при исследовании феномена музыкальной культуры как системы, историко-генетический, идеографический, проблемно-хронологический методы при работе с историческим материалом, и кластер-анализ при обработке данных и составления таблиц. Основной вывод проведенного исследования заключается в признании высокой роли Союза композиторов РСФСР в развитии региональных культур, получивших мощный импульс для создания целостной музыкальной системы. Особую роль в этом ключе сыграла такая форма взаимодействия внутри музыкальной культуры как фестиваль. Особым вкладом автора в исследование является детальное изучение истории астраханского фестиваля современной музыки, которая наглядно демонстрирует, что музыкальная культура регионов после 90-х годов, несмотря на слабость центральной организации, продолжает развиваться. Новизна исследования заключается в том, что вопрос о вкладе фестивального движения как особого рода деятельности региональных организаций поднимается впервые.

Ключевые слова: союз композиторов, фестиваль, музыкальная культура регионов, современная музыка, региональные музыкальные союзы, музыкальная система, музыкальная культура, организация фестиваля, астраханский союз композиторов, астраханский фестиваль

Abstract: The research subject is the music culture of Astrakhan region, the research object is music culture as a system. The article studies the role of a festival as a specific form of activity of regional music organizations, which are the elements of a formerly powerful system - The Composers’ Union of the RSFSR. Special attention is given to the example of Astrakhan Composers’ Union’s role in organizing the modern music festival, which, in the author’s opinion, had boosted the potential of regional music culture. The author uses the system approach to study the phenomenon of music culture as a system, historic-genetic, ideographic and problem-chronological methods to work with historic materials, and cluster-analysis to process the data and compose charts. The author formulates the conclusion about the recognition of an important role of the Composers’ Union of the RSFSR in the evolution of regional cultures, which received a stimulus for the development of a holistic music system. A festival as a form of interaction within a music culture played a special role in this process. The author’s special contribution is the study of the history of Astrakhan festival of modern music, which demonstrates that regional music culture after the 90s is still developing despite the weakness of the central organization. The present article is the first scientific work to raise the problem of a contribution of a festival movement as a specific form of activity of regional organizations.

Keywords: Union of composers, Festival, Musical culture of the regions, Modern music, Regional music unions, Music system, musical culture, organization of festivals, Astrakhan Union of composers, Astrakhan festival

Аннотация: Очерк посвящен Заслуженному артисту РСФСР Ивану Яковлевичу Паницкому (1906-1990) – выдающемуся баянисту-виртуозу, педагогу и композитору. Именно Паницкому, слепому музыканту-самородку из волжского села Балаково, предстояло открыть русскому баяну дорогу на академическую сцену, существенно обогатить концертный репертуар профессионалов-баянистов. Автор прослеживает истоки профессионального и духовно-творческого становления Паницкого, раскрывает одухотворенность и поэтичность его натуры. определившие главное направление творчества музыканта – сферу инструментальной лирики. Уделяется внимание музыкальным мероприятиям, посвященным великому земляку, инициатором которых выступает кафедра народных инструментов Саратовской государственной консерватории имени Л. В. Собинова. В настоящем очерке используется исторический метод, на основе которого рассматривается биография музыканта, а также метод музыковедческого анализа произведения. В качестве примера баянной лирики Паницкого дается разбор Вальсов «Воспоминание» и «Увядшие розы». Описываются характерные способы работы с музыкальным материалом, выявляющие главную лирическую идею произведения: импровизационность, полифоничность фактуры, варьирование, разнообразие тембровых красок баяна. Новизна исследования состоит в соединении изложения историко-биографического материала с впервые представленным музыковедческим анализом произведений И. Я. Паницкого в жанре вальса. Вывод, который дается в аннотируемой статье, заключается в том, что судьба Ивана Яковлевича Паницкого неотделима от родных истоков. Глубокая духовная связь с малой родиной. ее историей и традициями определила яркую самобытность, «узнаваемость» творчества прославленного баяниста, одного из замечательных представителей баянной лирики в русской инструментальной музыке XX века.

Ключевые слова: вальсы Паницкого, народное инструментальное искусство, Всероссийский фестиваль, Саратовская государственная консерватория, Волга, учителя, детские годы, истоки, баянная лирика, Паницкий

Abstract: The essay is devoted to the Merited Artist of the RSFSR Ivan Yakovlevich Panitsky (1906-1990), an outstanding virtuoso of bayan, teacher and composer. Panitsky, a vision impaired original musician from the Volgian village Balakovo, was destined to pave the way for Russian bayan to the academic scene, significantly enrich the concert repertoire of professional bayanists. The author of the article traces back the beginnings of professional and spiritual and creative formation of I. Panitsky and reveals the spirituality and poetry of his character which defined the main direction of the musician’s work - the field of instrumental lyrics. The author gives special attention to music events devoted to the famous countryman initiated by the department of folk instruments of Saratov State Conservatory named after L.V. Sobinov. The author uses the historical method to study the musician’s biography and the method of musical analysis of the piece. The author studies Panitsky’s waltzes “Remembrance” and “Dead roses” as the examples of bayan lyrics. The paper describes the typical ways of work with music material revealing the main lyric idea of the piece: its improvisatory character, polyphony of the manner, variations, and the diversity of timbre colours of a bayan. The novelty of the study consists in the combination of the narration of historical and biographical material with the unprecedented analysis of Panitsky’s works in the waltz genre. The author concludes that Panitsky’s background is inseparable from the region of his birth. The strong spiritual bond with his small motherland, its history and traditions, defined the bright individuality and recognizability of the works of the famous bayanist, one of the remarkable representatives of bayan lyrics in the Russian instrumental music of the 20th century.  

Keywords: waltzes of Panitsky, folk instrumental art, Russian festival, Saratov State Conservatory, Volga river, teaching staff, childhood years, cradle, bayannya lyrics, Panitsky

Аннотация: Объектом исследования являются музыкальные общественные организации, предметом – Астраханская региональная организация «Союз композиторов России». Автор статьи подробно рассматривает такие аспекты, как влияние Союза композиторов РСФСР на развитие музыкальной культуры регионов через стимулирование созданий региональных музыкальных организаций, влияние региональных музыкальных организаций на развитие музыкальных культур регионов. Особое внимание уделяется истории создания Астраханского Союза композиторов как нового центра региональной музыкальной культуры, проводится анализ деятельности организации, исследуется ее потенциал. Методологическую основу исследования составили: принцип объективности, исходящий из приоритета фактов, документальных доказательств и привлечения широкого круга источников, историко-генетический и проблемно-хронологический методы Новизна исследования заключается в рассмотрение исторической и культурной роли общественной музыкальной организации «Союз композиторов России» (СК РСФСР) Основными выводами проведенного исследования являются: СК РСФСР оказал огромную роль в развитии музыкальной культуры России через вовлечение регионов в деятельность организации, способствовал созданию региональных/национальных композиторских содружеств, которые стали новыми музыкальными центрами на местах Особым вкладом автора в исследование темы является исследование истории Астраханского Союза композиторов.

Ключевые слова: Союз композиторов, музыкальная культура, региональная организация, астраханские композиторы, музыкальная культура Астрахани, музыкальный фестиваль, современная музыка, содружество композиторов, региональная история, Нижнее Поволжье

Abstract: The object of the research is musical public organizations, the subject is the Astrakhan regional organization “Union of Composers of Russia”. The author of the article examines such aspects as the influence of the RSFSR Union of Composers on the development of regional musical culture through stimulating the creation of regional musical organizations, the influence of regional musical organizations on the development of regional musical cultures. Special attention is paid to the history of the creation of the Astrakhan Union of Composers as a new center of regional musical culture, an analysis of the organization’s activities is carried out, its potential is being investigated. The methodological basis of the research involves the principle of objectivity, based on the priority of facts, documentary evidence and involvement of a wide range of sources, historical-genetic and problem-chronological methods. The main conclusions of the study are: SK RSFSR had a huge role in the development of Russia's musical culture through the involvement of regions in the organization’s activities, contributed to the creation of regional / national composer associations, which became new local music centers. The author's special contribution of the author tothe topic is her analysis of the history of the Astrakhan Union of Composers.

Keywords: Union of composers, musical culture, regional organization, Astrakhan composers, musical culture of Astrakhan, music festival, modern music, Commonwealth of composers, regional history, Lower Volga

Аннотация: В статье показаны факторы, определяющие использование травести — связанные с историко-культурными нормами эпохи, а также детерминированные конкретными художественными задачами автора. Второй случай представляют ситуации репрезентации определенных возрастных особенностей героя/героини, пародийно-гротескные а также инфернальные образы. Отмечается связь последних двух ситуаций с эстетикой карнавала. Данная проблематика затрагивается в области музыкознания впервые. В качестве примеров приводятся оперы С. Ланди, Д. Винчи, Ф. Кавалли, Г. Генделя, В. Моцарта, Л. Росси, Ж. Рамо. Методология работы построена на комплексном рассмотрении изучаемого феномена. В качестве вывода отмечено, что Он представляет неотъемлемое качество музыкального театра рассматриваемой эпохи, существующего по своим законам, парадоксальным и мотивированным собственной художественной логикой одновременно. Статья предназначена широкому кругу читателей – от профессионалов, изучающих оперное искусство прошлого и современности до читателей, интересующихся общими проблемами театрального и оперного искусства.

Ключевые слова: травести, опера, музыка, театр, пародия, роль, карнавал, старинная музыка, искусствоведение, музыкознание

Abstract: The article illustrates the factors that determine the use of travesti with due regard to historical and cultural standards of the era, as well as the factors determined by specific artistic tasks of the author. The second case includes situations of representation of certain age characteristics of the hero/heroine, parody-grotesque and infernal images. The author marks a connection of the last two situations with carnival aesthetics. It is the first time in musicology that this problem is addressed. As examples, the article uses  operas by S. Landi, D. Vinci, F. Cavalli, G. Handel, W. Mozart, L. Rossi, J.Rameau. The methodology of the work is based on complex consideration of the phenomenon under study. In conclusion the author notes that it represents an integral quality of musical theatre of the era under study that exists according to its laws, paradoxical and motivated by its own artistic logic at the same time. The article is intended for a wide range of readers - from professionals studying the opera art of the past and the present days to readers interested in general issues of theatre and opera.

Keywords: travesty, opera, music, theater, parody, role, carnival, ancient music, art history, musicology

Аннотация: Статья посвящена фигуре величайшего композитора ХХ столетия Дмитрия Шостаковича. Рассматриваются противоречия его творческого наследия 1930-х годов, когда композитор вынужден был пойти на так называемые в музыковедении компромиссы. Эти компромиссы были связаны, в первую очередь, с желанием писать такую музыку и работать в таких жанрах, которые отвечали эмоциональности самого композитора. С другой же стороны, Шостаковичу приходилось сочинять «поверхностную» музыку в угоду действующему политическому режиму, который следил за каждым творческим шагом композитора. В статье предпринят исторический ракурс рассмотрения наиболее противоречивых произведений 1930-х годов, созданных в театральных жанрах – оперы «Леди Макбет Мценского уезда» и балета «Светлый ручей». Исторический подход потребовал привлечения источников того времени – фрагментов статей из газет и журналов, в которых в том или ином ракурсе затрагивается имя Шостаковича. Такой подход придает новизну рассматриваемой теме. Отмечается, что музыка Шостаковича всегда будет актуальна, в какую бы эпоху не существовало человечество и она явится для будущих поколений подлинным свидетельством истории ХХ столетия.

Ключевые слова: Шостакович, музыковедение, музыка и история, история ХХ века, Сталин, Леди Макбет, Светлый ручей, творческие компромиссы, музыка ХХ века, Правда

Abstract: The article focuses on the figure of Dmitry Shostakovich, the greatest composer of the twentieth century. The author explores contradictions of his creative heritage of the 1930s, when the composer was forced to make the so-called musicology compromises. These compromises were connected, first of all, with the desire to write the music and work in the genres that corresponded to emotionality of the composer. On the other hand, Shostakovich had to write "superficial" music to please the current political regime which followed every creative step of the composer. From a historical perspective the article considers the most controversial works of the 1930s, which were created in theatrical genres - the opera "Lady Macbeth of the Mtsensk District" and the ballet "the Limpid Stream". The historical approach required the use of sources of that time - fragments of articles from newspapers and magazines in which Shostakovich's name is mentioned from one or another perspective. This approach gives novelty to the topic under consideration. It is stated that music by Shostakovich will always be relevant regardless of the era in which mankind exists, and it will be a true testimony of the history of the twentieth century for the future generations.

Keywords: Shostakovich, musicology, music and history, history of the twentieth, Stalin, Lady Macbeth, Bright Creek, creative compromises, 20th century music, True

Аннотация: В представленной статье рассматривается фортепианное творчество известного китайского композитора Ду Минсиня (Du Mingxin, род. 1928). В связи с тем, что его имя мало известно российскому читателю, в первой части статьи коротко изложены основные события творческой биографии Ду Минсиня. Главное внимание уделено фактам, оказавшим влияние на становление творческой личности композитора. Вторая часть статьи посвящена анализу одного из последних произведений для фортепиано — сюиты «Альбом для юношества нового века». В процессе анализа выявлен ряд признаков, позволяющих назвать произведение циклом. Подробно рассмотрена каждая из четырех пьес, составляющих сюиту: образный строй, особенности жанра, формы, музыкального языка. В музыкальном языке сюиты «Альбом для юношества нового века» композитор сочетает черты национальной музыки (интонационные, ладовые особенности) с традиционными приемами европейского композиторского письма.

Ключевые слова: китайская музыка, китайский композитор, современная музыка, музыка для фортепиано, фортепианная сюита, Ду Минсинь, цикл, циклическая форма, пентатоника, теория музыкальной композиции

Abstract: The article considers the piano works by the famous Chinese composer Du Mingxin (Du Mingxin, born in1928).  Due to the fact that few Russian readers know this name, the first part of the article presents a brief summary of the biography of the composer. The main attention is paid to the events that influenced the composer's creative personality. The second part of the article deals with the analysis of one of the last compositions for piano - 'The Album for the Youth of the New Century' suite. In the process of analysis the author identifies a number of features that allow us tocall the compositions a cycle. Each of the four pieces of music that make up the suite has been examined in detail: figurative structure, features of the genre, form, musical language. In the musical language of the suite 'The Album for the Young of the New Century' the composer combines features of national music (intonation, modal features) and traditional Europeantechniques in music composition.

Keywords: theory of musical composition, pentatonic, cyclic form, cycle, Du Mingxin, piano suite , piano music , modern music , Chinese composer , Chinese music

Аннотация: Жанровая палитра наследия болгарского композитора Панчо Владигерова необычайно широка и включает инструментальные пьесы, вокальные миниатюры, камерные опусы, масштабные симфонические произведения, сочинения для музыкального театра. Многое из того, к чему он обращался в своем творчестве, было новым для болгарской культуры. Его музыка звучала и издавалась в 1920–1930 годы в Европе, а сам композитор был одним из популярных авторов венского издательства «Universal Edition», печатавшего почти все его произведения, написанные в то время. Особое место в наследии композитора заняла фортепианная музыка – отдельные пьесы и более тридцати циклов, созданных с 1914 по 1978 годы, среди которых «Импрессии» (1920, опус 9). В процессе анализа цикла автор исходила из специфики стилистического анализа, а также других аналитических приемов музыковедения. В музыке «Импрессий» можно отметить не только символистские, но и романтические и неоклассицистские черты, что связано с особенностями «ускоренного развития» болгарской культуры. Возможно это наложило отпечаток и на творческую индивидуальность музыканта, в наследии которого можно найти разнообразие образов, эмоций и яркую красочность звуковых образов.

Ключевые слова: Панчо Владигеров, фортепианная музыка, болгарская музыка, импрессионизм, Клод Дебюсси, музыка ХХ века, Гео Милев, фортепианные циклы, токкатность, миниатюра

Abstract: The genre palette of the heritage of Bulgarian composer Pancho Vladigerov is extraordinarily broad, and includes instrumental works, vocal miniatures, chamber opuses, large-scale symphonic oeuvres, as well as compositions for the musical theatre. Many directions which he pursued in his creative work were new to the Bulgarian culture. His music emerged in the 1920–1930’s in Europe, and the composer himself was one of the popular authors of the “Universal Edition” (Vienna), which published almost all of his oeuvres written within this period. A special place in the composer’s heritage belongs to piano music – separate pieces, and over thirty cycles created during the period from 1914 to 1978, among which is “Impressions” (1920, opus 9). In the course of the analysis of the cycle, the author was guided by the specificity of stylistic analysis, as well as other analytical methods of musicology. In the music of “Impressions”, we can note not only the symbolic, but also romantic and neoclassical features, which are associated with the peculiarities of “accelerated development” of the Bulgarian culture. Perhaps this has left an imprint upon the composer’s artistic individuality, in whose heritage we can find diversity of characters, emotions, as well as bright picturesqueness of the sound characters.

Keywords: miniature, toccata principle, piano cycles, Geo Milev, music of the XX century, Claude Debussy, impressionism, Bulgarian music, piano music, Pancho Vladigerov

Аннотация: Бразильский композитор Эйтор Вила–Лобос (1887–1956) стал одним из первых представителей Нового Света, чьи произведения привлекли внимание европейской художественной общественности. Диапазон творческих интересов композитора необычайно широк, разнообразен и круг образов его музыки. Вила–Лобос одним из первых исследовал бразильскую народную музыку, в начале ХХ века он посетил отдаленные уголки страны, где сохранились традиции индейцев и выходцев с африканского континента. В свете настоящей публикации нам было особенно интересно, как его творчество воспринималось и соотносилось с европейским культурным контекстом. В процессе подготовки статьи использовались методы культурно-исторического, стилевого и сравнительного анализа, работа с архивными материалами. Задачей публикации является представление творчества бразильского композитора в контексте европейского искусства. Среди многих произведений Вила–Лобоса цикл Бразильских Бахиан наиболее разнообразен по художественным образам и музыкальному материалу. Однако очевидно, что через высокие образцы европейского искусства композитор стремился вписать бразильскую музыку в корпус мировой культуры. В этом плане его Бахианы – один из примеров проявления неоклассицизма. Для Европы многое в интересе к творчеству Вила–Лобоса было обусловлено тем, что на рубеже веков возник пристальный интерес к забытым видам музыки Средневековья и Ренессанса, глубинной архаике, были ассимилированы пласты индейского и афро-бразильского фольклора.

Ключевые слова: Эйтор Вила–Лобос, Бразильские Бахианы, бразильская музыка, неоклассицизм, шоро, Одри Хепберн, Сергей Прокофьев, фортепианный цикл «Куклы», Артур Рубинштейн, Сергей Дягилев

Abstract: The Brazilian composer Heitor Villa-Lobos (1887-1956) became one of the very first representatives of the New World, whose oeuvres attracted the attention of European artistic community. The composer is known for the extremely extensive range of his creative interests, as well as diverse circle of the images of his music. Villa-Lobos was among the first to study Brazilian folk music; at the beginning of the XX century he visited the remote parts of the country with preserved traditions of the natives and migrants from the African Continent. It was especially interesting to find out how the creative work of the composer was perceived, and how it correlated with European cultural context. The goal of this publication is to present the work of this Brazilian composer in the context of European art. Among many compositions by Villa-Lobos, the most diverse in its artistic images and musical material is the cycle Bachianas Brasileiras. It is also evident that through the prime examples of European art, the composer tended to make Brazilian music a part of the world culture. In this regard, his Bachianas is one of the manifestations of neoclassicism. For Europe, the interest to the works of Villa-Lobos was mostly due to the fact that at the edge of the centuries there was a spike in the interest towards the forgotten types of music of the Middle Ages, Renaissance, and deep antiquity, as well as the ancient folklore of African-Brazilian and Indigenous People have been assimilated.

Keywords: Sergei Diaghilev, Arthur Rubinstein, piano cycle “Dolls”, Sergei Prokofiev, Audrey Hepburn, choro, neoclassicism, Brazilian music, Bachianas Brasileiras, Heitor Villa-Lobos

Аннотация: В творчестве латиноамериканских композиторов заметна устойчивая тенденция к созданию произведений, отражающих особенности мировосприятия жителей региона, в которых автохтонные элементы индейской и афроамериканской народной музыки находят преломление средствами новейших композиторских техник. Подобное явление в литературе получило наименование «магического реализма». Марлос Нобри (р. 1939) – один из наиболее ярких представителей бразильской композиторской школы, его музыка отличается эмоциональной насыщенностью, ясностью формы, свидетельствует о виртуозной композиторской технике. Магией «чудесной реальности» Латинской Америки проникнуты такие его произведения как «Укринкинмакринкин», «Яномани», «Каббала» и другие. В процессе изучения материала привлекалась методология стилевого и стилистического анализа. В вопросах жанровой типологии основное внимание уделялось методам сравнительного анализа, а также исторического исследования, предполагающих стадиальное рассмотрение отдельных явлений в рамках развивающихся художественных традиций. В произведениях Нобри наблюдается переплетение трех разностильных составляющих – авангардизма, как синонима новизны и эксперимента, неоклассицизма, как опоры на профессиональное искусство прошлого, и неофольклоризма, как олицетворения современной трактовки проблемы народности. Однако в качестве превалирующей характеристики необходимо выделить его бразильскую национальную принадлежность, проявляющуюся как в идейно-содержательном, так и в техническом аспектах его сочинений.

Ключевые слова: бразильская музыка, Марлос Нобри, Камарго Гуарньери, авангард, неофольклоризм, индейская музыка, афроамериканская музыка, «чудесная реальность», «магический реализм», Латинская Америка

Abstract: In the works of the Latin American composers we can notice a consistent trend towards the compositions reflecting the specificities of world perception of residents of the region, in which the autochthonous elements of the folk music of Indigenous and Afro-American People are being interpreted by the means of the most recent composer’s techniques. A similar phenomenon in literature was dubbed the “magical realism”. Marlos Nobre (born in 1939) is one of the brightest representatives of Brazilian composer’s school; his music is known for emotional saturation, explicitness of form, as well as testifies of composer’s virtuosic technique. Nobre’s oeuvres “Ukrinmakrinkrin”, “Yanomani”, and “Kabbalah” are inspired with the magic of “miraculous reality” of Latin America. In composer’s works we can observe a fusion of the three diverse components – avant-gardism, as synonym of the novelty and experiment; neoclassicism, as reliance upon the professional art of the past; and neofolklorism, as embodiment of the modern interpretation of the problems of folk character. However, we should underline Nobre’s Brazilian ethnicity, which is manifested in his ideological-conceptual, as well as technical aspects of his compositions.

Keywords: Latin America, magical realism, miraculous reality, Afro-American music, Indian music, neofolklorism, avant-garde, Camargo Guarnieri, Marlos Nobre, Brazilian music